NEBRASKA
PRESSEHEFT

REGIE Alexander Payne
DARSTELLER Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach, Bob Odenkirk u.v.a.
PRODUKTION Albert Berger & Ron Yerxa DREHBUCH Bob Nelson

Kinostart: 07. Februar 2014
                   
 		   im Verleih von 
                               POLYFILM

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Pressebetreuung:
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INHALTSVERZEICHNIS

KURZINHALT / PRESSENOTIZ	3
DER SCHAUSPIELER-REGISSEUR – Alexander Payne	4
SEI EINFACH DERN – Bruce Dern	6
DER GUTE SOHN – Will Forte	10
MUTTI IST DIE BESTE – June Squibb	11
DER LIEBLING – Bob Odenkirk	12
DER VETERAN – Stacy Keach	13
EINE GESCHICHTE, DIE JAHRE AUF IHRE VOLLENDUNG WARTETE – Vorproduktion	15
DAS HINTERLAND – der Drehort	17
DAS NEUE SCHWARZ UND WEISS – Kameraarbeit	21
DIE DARSTELLER
BRUCE DERN (Woody Grant)	23
WILL FORTE (David Grant)	24
JUNE SQUIBB (Kate Grant)	25
BOB ODENKIRK (Ross Grant)	26
STACY KEACH (Ed Pegram)	26
DER STAB
ALEXANDER PAYNE (Regie)	28
GEORGE PARRA (Regieassistenz; ausführende Produktion)	28
JULIE M. THOMPSON (ausführende Produktion)	29
ALBERT BERGER (Produktion)	30
RON YERXA (Produktion)	31
BOB NELSON (Drehbuch)	32
JOHN JACKSON (Casting)	32
DENNIS WASHINGTON (Szenenbild)	33
PHEDON PAPAMICHAEL (Kamera)	33
JOHN LATENSER V (Location-Manager)	35
KEVIN TENT (Schnitt)	35

KURZINHALT

Der Weg ist hier definitiv nicht das Ziel, denn am Ende wartet ein Lottogewinn in Millionenhöhe. Das denkt zumindest der grantige Woody Grant (BRUCE DERN), der sich, getäuscht durch einen betrügerischen Werbeprospekt, das vermeintlich große Geld persönlich in Lincoln, Nebraska, abholen möchte. Doch die 900 Meilen Strecke von seinem Wohnort zum Ziel seiner Träume kann der Eigenbrötler allein nicht mehr bewältigen. Von seiner garstigen Gattin Kate (JUNE SQUIBB) und seinem verbitterten Sohn Ross (BOB ODENKIRK) ist keine Hilfe zu erwarten: Sie tragen ihm immer noch seine unrühmliche Säufer-Vergangenheit nach und würden ihn am liebsten in ein Heim stecken. Schließlich erklärt sich sein jüngerer, gutmütiger Sohn David (WILL FORTE) dazu bereit, die Fahrt mit seinem Vater anzutreten – auch wenn die beiden schon lange nicht mehr viel miteinander zu tun haben. Bei einem ungeplanten Zwischenstopp in Woodys Geburtsstadt Hawthorne treffen sie auf ihre Verwandtschaft, alte Freunde und auch viele Neider, die sich vor allem für den neu gewonnenen Reichtum des seltenen Gastes interessieren.
Der Vater-Sohn-Trip wird so nicht nur zu einer Reise in Woodys Vergangenheit, sondern vielmehr zur Suche nach Respekt und Anerkennung und vor allem nach etwas, wofür es sich lohnt, weiterzuleben.

PRESSENOTIZ
Nach „The Descendants“ erzählt der zweifache Oscar®-Preisträger Alexander Payne mit NEBRASKA nun eine kleine Familiengeschichte, die sich im tiefen Herzen der US-Provinz abspielt. Die raue und melancholische Hinterland-Wirklichkeit fernab von hektischen Metropolen hat Payne für dieses Meisterwerk in ausdrucksstarkem Schwarz-Weiß eingefangen. NEBRASKA ist eine leise Tragikomödie, die mit ebenso amüsanten wie ergreifenden Momenten feinfühlig von der Wichtigkeit von Träumen erzählt und somit ein universelles Thema behandelt.
In  der  Rolle  des  mürrischen  Antihelden  Woody  brilliert  Bruce  Dern  („Django  Unchained“,
„Monster“) und strapaziert dabei so manchen Geduldsfaden. Für seine hervorragende schauspielerische Leistung wurde Dern bei den Filmfestspielen in Cannes 2013 als Bester Darsteller ausgezeichnet. Auch Will Forte („30 Rock“, „The Watch“) überzeugt in seiner Rolle als Woodys gutherziger Sohn David, der seinem Vater wieder ein bisschen Lebensfreude zurückgeben will. Mit June Squibb („About Schmidt“, „Der Duft der Frauen“) als seine genervte Ehefrau Kate und Bob Odenkirk als älterer Sohn Ross sowie Stacy Keach („American History X“) in der Rolle von Woodys früherem Freund und Geschäftspartner sind die Nebenrollen ebenfalls ausgezeichnet besetzt.

DER SCHAUSPIELER-REGISSEUR – Alexander Payne
„Mir war nie bewusst, dass sich der Schweinepriester jemals gewünscht hätte, ein Millionär zu sein.“
-- Kate Grant

Alexander Payne wird oftmals als „Schauspieler-Regisseur“ beschrieben. Er erlaubt es seinen Schauspielern, ihre Darstellungen auf die ursprünglichen, essenziellen Elemente von Komödie, Tragödie und Menschlichkeit zu reduzieren. Payne wusste, dass die subtile,  emotionale Geschichte von NEBRASKA nur dann funktionieren könnte, wenn er aus seinen Schauspielern ungeschminkte, naturalistische Darstellungen hervorkitzeln würde.
„Alexander gehört zu dem Schlag Regisseur, der sagt: Nur zu, trau dich was, ich werde dich auffangen“, berichtet Bruce Dern. „Er will nicht, dass man im konventionellen Sinne schauspielert
– ihm geht es darum, dass seine Figuren richtige, wahrhaftige Menschen werden. Er bringt einen auf ein Niveau, auf dem man einfach ausschüttet, was man im Herzen hat – und all die Emotionen und den restlichen Ballast, den das mit sich bringt.“
Payne ging ein Thema des Films besonders nahe – ein Thema, das in unserer überalterten Gesellschaft immer mehr Menschen betrifft: mitzuerleben, wie die eigenen Eltern auf eine Weise älter werden, die ebenso verblüffend wie entlarvend sein kann. „Ich habe selbst recht alte Eltern, also konnte ich gut nachvollziehen, wie sich David in der Geschichte fühlt. Ich habe mich natürlich nie in einer solchen Situation befunden, aber ich weiß ziemlich genau, was in ihm vor sich geht“, sagt der Regisseur. „Besonders gefiel mir an der Geschichte, wie sehr sich David bemüht, dass sein Vater seine Würde bewahrt. Das ist mir selbst ein starkes Anliegen, es geht mir persönlich nahe.“
Und dann ist da noch der Umstand, dass der Film in Paynes Heimatstaat angesiedelt ist. Das trug zusätzlich dazu bei, dass er sich ganz unmittelbar mit der Geschichte identifizieren konnte. „Im Grunde könnte man die Geschichte überall in den Vereinigten Staaten erzählen, aber weil er nun einmal in einem Staat spielt, den ich so gut kenne, hatte ich die Gelegenheit, viele kleine Details hinzuzufügen“, erzählt Payne. „Ich komme aus Omaha. Das ist sicherlich eine deutlich größere Stadt als der Ort, in dem die Grants leben. So hatte ich die Gelegenheit, die ländliche Seite von Nebraska kennenzulernen und zu erforschen, die mir regelrecht exotisch vorkam.“
Niemand zweifelte auch nur eine Sekunde daran, dass Payne die Geschichte der Grants nicht unverkennbar zu der seinen machen würde. „Wenn man sich einen von Alexanders Filmen ansieht, weiß man sofort, dass niemand anderes ihn gemacht haben könnte“, meint Produzent Albert Berger. „Er hat eine unvergleichliche Art, menschliches Verhalten mit all seinen Macken und all seinen Triumphen abzubilden. Und er genießt es, auch die Momente zu feiern, in denen

sich Menschen auf nachvollziehbare Weise danebenbenehmen. Wir können uns alle in diesen Figuren wiedererkennen.“
Diese Nachvollziehbarkeit lässt sich auch auf die Art und Weise zurückführen, wie Payne mit seinen Schauspielern arbeitet, wenn er sie auf ihrem Weg in das selten beschrittene Territorium absolut wahrhaftiger Darstellungen begleitet.
„Er erinnert mich an Preston Sturges und Frank Capra“, erklärt Bruce Dern. „Er will herausfinden, was Menschen machen und warum sie es machen. Er ist fasziniert von menschlichem Verhalten, und das manifestiert sich in seiner Regie.“
Ko-Star Stacy Keach deutet auf zwei Schlüsselelemente, die Payne so einzigartig machen: „Er legt wahnsinnig viel Wert auf die Details. Und er versteht genau, wie Schauspieler ticken.“ Er erzählt weiter: „Weil er selbst als Schauspieler gearbeitet hat, versteht Alexander ganz genau, was Schauspieler durchmachen, denke ich. Und er versteht, wozu sie in der Lage sind, wie es ihnen gelingt, eine Vielzahl unterschiedlichster Farben und verschiedener Emotionen gleichzeitig auszudrücken. Das macht ihn zu einer großen Inspiration.“
Will Forte fügt hinzu: „Die Arbeit mit Alexander war eine wunderbare Erfahrung für mich. Von einem technischen Standpunkt gesehen ist alles, was er macht, absolut glorreich. Aber er hat mir auch beigebracht, dass das nicht reicht, dass es um mehr geht als bloß um die technische Umsetzung. Es geht darum, eine alle einschließende Familienatmosphäre zu erschaffen und Menschen so zu behandeln, dass sie in einem wunderbaren, aufregenden Umfeld arbeiten können. Wenn man ihn bei der Arbeit sieht, stellt man sich die Frage, warum nicht alle anderen auch so arbeiten. Er hat mir wirklich dabei geholfen, dass ich mich selbst hinter mir lassen und David werden konnte.“
Der ausführende Produzent George Parra, der an so außergewöhnlichen Filmen wie THE SILVER LINING PLAYBOOK („Silver Linings“, 2012), SIDEWAYS („Sideways“, 2004) und THE DESCENDANTS („Descendants ...“, 2011) beteiligt war, seit ELECTION („Election“, 1999) stets mit Alexander Payne gearbeitet hat und bei NEBRASKA erstmals als Regieassistent an Bord war, sagt, dass er zwar immer wieder beeindruckt ist, Payne beim Inszenieren zuzusehen, es aber noch beeindruckender findet zu sehen, wie das Kinopublikum auf die unvergesslichen Figuren reagiert, die er aus dem Hut zaubert.
„Die Menschen freuen sich auf seine Filme, weil er sowohl die komischen als auch die dramatischen Momente des Lebens so perfekt im Griff hat. Seine Komödien sind dramatisch und umgekehrt“, fasst er zusammen. „Es gibt nicht viele Regisseure, denen dies Film auf Film immer wieder so gut gelingt.“

SEI EINFACH DERN – Bruce Dern
„Bier ist nicht Trinken.“
-- Woody Grant

„Als ich NEBRASKA zum ersten Mal las, wusste ich einfach, dass ich unbedingt dabei sein musste“, erinnert sich Bruce Dern.
Die Rolle war ganz anders als alles andere, für das er jemals infrage gekommen war. Dern war besonders angetan davon, dass Payne ganz explizit daran gelegen war, dass er seinen patentierten Rollentypus hinter sich lassen und völlig neue Wege beschreiten sollte. „Ich vermute, dass es so ähnlich war wie damals, als er mit Nicholson ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2002) gedreht hat“, merkt Dern an. „All die Jahre habe ich das immer wieder gehört: Sei einfach Dern, das wollen wir haben. Bei Jack ist es dasselbe. Nun, er will nicht in jedem Film immer wieder Jack sein. Und ich will nicht Dern sein. Alexander wollte mehr von mir und verlangte das auch. Er wollte sehen, welche Qualitäten ich aus Woody herauskitzeln könnte – und nicht, was Woody aus mir herauskitzeln würde. Ich habe es genossen, diese Gelegenheit zu bekommen.“
„Mit Woody konnte ich etwas machen, was ich noch nie zuvor getan habe. Er ist kein zorniger Rebell oder niederträchtiger Killer. All diese Derns haben nichts mit der Rolle zu tun“, sagt er und verweist damit augenzwinkernd auf die Eigenschaften all der düsteren Figuren, deren Darstellung er in der Vergangenheit immer weiter perfektioniert hat. „Er ist ein Typ, der so lebt, wie er lebt. Er hat kein Interesse daran, sich zu verändern. Auf eine gewisse Weise setzt er den vielen Menschen, die so sind wie er und die geholfen haben, Amerika aufzubauen, ein Denkmal.“
Bei der Besetzung von NEBRASKA ging es Alexander Payne primär um eine Sache: Authentizität. Deshalb bekam Bruce Dern die Gelegenheit, die Rolle des Woody Grant zu übernehmen. Es war ein ganz besonders begnadeter Zug, Dern auszuwählen, einen Mann, der zwar berühmt dafür ist, unberechenbare und bösartige Figuren zu spielen, der sich mittlerweile aber in seinen fast schon späten Siebzigern befindet. Seine sechs Jahrzehnte dauernde Karriere umfasst eine Anzahl unvergesslicher Darstellungen sowie eine Oscar®-Nominierung für COMING HOME („Coming Home – Sie kehren heim“, 1978) – aber eine Hauptrolle wie die in NEBRASKA hatte er noch nie. Mit dieser Figur war er in der Position, sich mit Haut und Haar in die Seele eines ganz normalen, einfachen Mannes versenken zu können. Das Resultat ist jetzt schon beachtlich: Bei der Weltpremiere von NEBRASKA beim Festival de Cannes 2013 erhielt er weltweit begeisterte Besprechungen von der Filmkritik und den begehrten Preis als Bester Darsteller des Wettbewerbs.
Von dem Moment an, an dem Woody Grant auf dem Papier Gestalt anzunehmen begann, stand
stets im Raum, dass Bruce Dern die ideale Besetzung für die Figur sein würde. „Bruce war in der

Tat der erste Name, der Alexander einfiel. Dann spielte er aber erst noch hundert andere Möglichkeiten durch, bis er sich schließlich darauf versteifte, Bruce sei der einzig richtige Schauspieler für die Rolle“, erinnert sich Berger.
Als diese Entscheidung gefallen war, zweifelte Payne sie keine Sekunde mehr an. Mit Wohlwollen betrachtete er, wie Dern sich mit Gusto und der Woodys ungewöhnlicher Geschichte entsprechenden Originalität in die Rolle stürzte – und dann noch viel weiter ging, um sie zu transzendieren und auf die nackte Menschlichkeit seiner Figur zu stoßen. „Es war Bruces Angelegenheit als Schauspieler, wie er sich der Figur näherte. Er erzählte mir, dass er sich Woody als Typen vorstellte, der einmal in der Stunde 20 Minuten einfach abschaltet“, erzählt Payne.
Den meisten wäre es schwergefallen, Woodys ganz spezielle Mischung aus Verwirrung und Klarheit, Enttäuschung und Hoffnung glaubhaft und wahrhaftig rüberzubringen. Dern jedoch gelang es, das richtige Gleichgewicht herzustellen. „Es ist eine ausgesprochen anspruchsvolle Rolle, eine riesige Herausforderung“, merkt Produzent Ron Yerxa an. „Bruce legt einen beeindruckenden Balanceakt hin zwischen Verschlossenheit und emotionaler Offenheit, zwischen Stänkerei und Sympathie, zwischen Komik und Wahrhaftigkeit. Es hätte unendlich viele Möglichkeiten gegeben danebenzugreifen, aber er leistete sich nicht einen Fehltritt.“
Dern war immer schon ein Schauspieler, dem es Freude bereitet, die Regeln zu brechen. Er begann seine Karriere in der Ära der Gegenkultur und ihrer populären Antihelden. Nachdem er erste Erfahrungen mit zwei meisterhaften Filmemachern gesammelt hatte – in WILD RIVER („Wilder Strom“, 1960) von Elia Kazan und MARNIE („Marnie“, 1964) von Alfred Hitchcock –, wurde er bekannt mit einer Reihe pechschwarzer, figurengetriebener Geschichten, die ein im Wandel begriffenes amerikanisches Kino definierten. Er erschoss John Wayne in THE COWBOYS („Die Cowboys“, 1972), spielte Jack Nicholsons sich als Gauner durchs Leben schlagenden Bruder in Bob Rafelsons KING OF MARVIN GARDENS („Der König von Marvin Gardens“, 1972), verdiente sich seine Sporen als ungewöhnlicher Weltallheld in Douglas Trumbulls umweltkritischem Science- Fiction-Erfolg SILENT RUNNING („Lautlos im Weltall“, 1971), begeisterte als Sponsor eines Schönheitswettbewerbs in einer Kleinstadt in Michael Ritchies Satire SMILE („Lauter hübsche Mädchen“, 1974) und konfrontierte das Publikum mit dem Schrecken der Vietnam- Kriegsheimkehrer in Hal Ashbys COMING HOME („Coming Home – Sie kehren heim“, 1978).
Er macht sich einen Namen als Bösewicht vom Dienst – zuletzt war er als Sklaventreiber  in Quentin Tarantinos DJANGO UNCHAINED („Django Unchained“, 2012) zu sehen. Damit erarbeitete er sich aber auch einen Platz als vollkommener Bilderstürmer. Und doch war er überrascht, als ihm im stattlichen Alter von 76 Jahren die womöglich ikonoklastischste und bewegendste Rolle seiner Laufbahn zufiel.

Dern begreift Woody als Mann, der sich an den Glauben klammert, endlich einmal Glück in seinem Leben zu haben. „Woody hat schon vor langer Zeit aufgehört zu träumen“, erzählt Dern. „Aber er ist fest entschlossen, sein Leben so zu Ende bringen, wie er es sich vorstellt. Vielleicht hat er nicht mehr alle Tassen im Oberstübchen. Aber sofern es ihn betrifft, will er sich diese eine Million Dollar unbedingt holen. Es ist vielleicht das erste Mal in seinem Leben, dass er etwas wirklich will. Und das ist diese Million.“
Ihm gefiel es auch, sich mit verschiedenen Aspekten des Vaterseins zu befassen – auch wenn es sich um ein Vatersein handelt, das voller Fehler, Missverständnisse und irritierendem Verhalten steckt, wie das im wahren Leben nun mal der Fall ist. „Ich hatte keine großartige Beziehung zu meinem Vater“, sagt Dern. „Aber als wir mit dem Dreh fertig waren, hatte ich den Eindruck, dass ich ihn durch Alexander gefunden hatte.“
Payne hatte mit Dern genau den Schauspieler ausgewählt, der all die gegensätzlichen Qualitäten in sich vereinigt, die dem Regisseur an Woody wichtig waren. „Er hatte es drauf, mürrisch zu sein und einem gleichzeitig das Herz zu brechen“, sagt Alexander Payne. „Am meisten danke ich Bruce dafür, dass er mir sein Vertrauen geschenkt hat, das größte Geschenk, das ein Schauspieler einem Regisseur machen kann. Er ließ nichts unversucht. Es gab da eine Szene in einem Auto, bei der meine einzige Anweisung war: Knüll dich zu einem bemitleidenswerten Haufen Elend zusammen. Und genau das machte er dann auch.“
Dern sagt, dass seine Leistung der Regie von Alexander Payne geschuldet ist, den er einst kennenlernte, als Payne mit Derns Tochter Laura sein Regiedebüt CITIZEN RUTH („Baby Business“, 1996) drehte. „In meiner gesamten Karriere hatte ich keine so großartige Rolle“, sagt Bruce Dern. „Ich habe auch noch nie so viel Glück mit einem Regisseur gehabt. Ich habe im Verlauf meiner Laufbahn mit einigen genialen Filmemachern gearbeitet – Kazan, Hitchcock, Trumbull, Coppola und Tarantino – und Alexander Payne steht auf dieser Liste ab jetzt ganz oben. Als Schauspieler braucht man von einem Regisseur die Rückversicherung, dass man Risiken eingehen darf. Und bei Alexander Payne geht es am Set jeden Tag darum, Risiken einzugehen. Aber er gibt einem auch das Gefühl, dass da jemand ist, auf den man sich verlassen kann, der einem den Rücken stärkt. Er gibt einem die Freiheit, seinen Weg zu gehen, aber er ist immer da, um einen zu unterstützen.“
Er erzählt weiter: „An jedem einzelnen Tag, an dem man für Alexander zur Arbeit geht, hat man das Gefühl, etwas zu machen, was davor womöglich noch nie jemand gemacht hat. Und an vielen Tagen hat man das Glück, das große Los zu ziehen.“
Entscheidend für die Arbeit zwischen Payne und Dern war es, ganz früh eine gemeinsame Grundlage zu finden. „Viele, viele Wochen bevor der eigentliche Dreh losging, verbrachten wir viel Zeit miteinander und unterhielten uns über alles Erdenkliche, nur nicht über den Film. Als wir

schließlich mit dem Dreh loslegten, bestand da ein ganz selbstverständlicher Fluss, ein gemeinsames Einverständnis“, erinnert sich der Regisseur.
Drehbuchautor Bob Nelson war begeistert mitzuerleben, wie Dern gewisse Momente ausdrückte, die er aus dem wahren Leben griff. Dazu gehört die Szene, die zunächst herzzerreißend ist und dann zunehmend irrwitziger wird, wenn David seinen Vater mitnimmt, auf einem verlassenen Zuggleis nach seinem verlorenen Zahn zu suchen. „In dieser Szene zeigt Bruce, dass in Woodys Oberstübchen doch noch einiges los ist. Man ist sich bis dahin nicht sicher, aber dann wird einem doch klar, dass der Funke noch da ist. Man sieht, dass er immer noch Augenblicke absoluter Klarheit hat und dass zumindest ein Teil von ihm versucht, die Dinge geradezubiegen“, sagt Nelson.
Derns Kollegen vor und hinter der Kamera waren ebenfalls zutiefst berührt davon, wie der Schauspieler sich die Figur des alten Stänkerers mehr und mehr aneignete.
„Die Arbeit mit Bruce war in vielerlei Hinsicht eine einzige Freude“, meint beispielsweise Will Forte. „Rein professionell gesehen war es so, als würde man täglich Schauspielunterricht von einem alten Meister erhalten. Ich habe so viel von ihm gelernt und habe all diese großartigen Geschichten über Hitchcock, John Wayne und Jack Nicholson förmlich in mich aufgesogen. Und auf persönlicher Ebene ist er einfach ein wahnsinnig liebenswerter Kerl, mit dem man gerne seine Zeit verbringen will. Manchmal stänkert er auf ganz spielerische Weise herum, aber hinter seinem manchmal schroffen Äußeren verbirgt sich ein echter Softie.“
„Ich denke, dass es Bruce gelungen ist, eine der tollsten komischen Figuren aller Zeiten auf die Leinwand zu bringen“, schließt sich Bob Odenkirk der Begeisterung für Dern an. „Ihm zuzusehen ist zu jedem Zeitpunkt ausgesprochen unterhaltsam.“
Und Stacy Keach sagt: „Jack Nicholson hat bereits eine seiner besten Leistungen in einem Film von Alexander Payne gehabt. Und jetzt schließt Bruce sich ihm an. Nahtlos.“
Albert Berger fasst zusammen: „Bruce setzte der Arbeit, die er über all die Jahre hinweg geleistet hat, mit dieser Rolle das Sahnehäubchen auf. Er ist wunderbar unberechenbar als Woody. Einerseits erschien er immer perfekt vorbereitet zum Dreh. Andererseits hatte er es drauf, im entscheidenden Moment immer noch weitere verschiedene Facetten von Woody hervorzuzaubern. Manchmal erscheint er verloren, manchmal wirkt er zornig, dann kommt er einem vor wie ein unschuldiges Kind. Alexander wollte alle diese verschiedenen Aspekte aus der Figur herauskitzeln. Und Bruce gab ihm all diese verschiedenen Farben und neue Dimensionen.“

DER GUTE SOHN – Will Forte
„Er hat kein Alzheimer – er glaubt einfach nur, was andere Menschen ihm sagen.“
-- David Grant

An der Seite von Bruce Dern alias Woody ist Will Forte zu sehen als sein Sohn David, der sich auf einer Reise wiederfindet, die er eigentlich für keine gute Idee hält. Und das zusammen mit seinem Vater, bei dem er nicht wirklich überzeugt ist, ob er mit ihm kommunizieren, geschweige denn sich ihm nähern kann. Forte kennt man vor allem als Ensemblemitglied von „Saturday Night Live“ und als Spoof-Actionheld „MacGruber“. Hier offenbart er eine völlig neue Seite seines schauspielerischen Könnens in einer Rolle, die dramatische Seiten besitzt, aber eben auch auf eine leise, düstere Weise lustig sein kann. David ist ein sich vor Liebeskummer verzehrender Verkäufer in der Stereoabteilung eines Kaufhauses, der alle Hände voll zu tun hat, sein eigenes Leben auf die Reihe zu bekommen. Er hat keinen blassen Schimmer, wie weit ihn seine Reise in die Vergangenheit seiner Familie führen wird.
Payne merkt an, dass ihn Fortes Vorsprechtermin überzeugt hat. „Ich habe ihm geglaubt“, erklärt er. „Will kommuniziert eine überzeugende Aufrichtigkeit und Liebenswürdigkeit, aber er lässt auch durchschimmern, dass er vom Leben ein paarmal einen auf den Deckel bekommen hat. Und weil wir ja die Aufgabe hatten, eine Familie zusammenzusetzen, fanden wir es glaubwürdig, dass er aus Bruce Dern und June Squibb hervorgegangen sein könnte.“
Forte wusste, dass er mit dieser Rolle Neuland würde betreten müssen. Aber gerade das begeisterte ihn. „Ich bin es gewohnt, in verrückten Komödien mitzuspielen. Ich war mir nicht einmal sicher, ob ein solcher Film überhaupt im Rahmen des Möglichen für mich wäre“, gesteht er. „Mit Alexander Payne arbeiten zu können, der ein erklärter Held von mir ist, war wie die Erfüllung eines lang gehegten Traums.“
Er war entschlossen, sein Bestes aus sich herauszuholen. „Es war mir durchaus bewusst, dass dies eine unfassbare Gelegenheit für mich ist, einmal etwas anderes zu machen. Aber ich muss auch gestehen, dass es eine echte Herausforderung für mich war“, meint Forte. „Die Geschichte hat auch komische Elemente, aber sie basieren auf dem echten Leben. Es ist interessant, dass die wirklich lustigen Momente Bruce und June vorbehalten sind. David ist der ernste Gegenpol.“
Beim Dreh waren alle Beteiligten schwer beeindruckt von Fortes niemals zuvor gezeigtem Talent für Subtilität und sein Gespür, geschickt zwischen dem Amüsanten und dem Bewegenden zu manövrieren. „Will ist in dieser Rolle eine echte Entdeckung“, meint Berger. „Er ist absolut überzeugend als jedermann, der das Publikum in die Geschichte einbindet.“
Das ist auch einer Darstellung zu verdanken, die auf Davids gemischten Gefühlen für seinen Vater fußt, sagt Forte. „David ist frustriert von seinem Vater. Gleichzeitig macht er sich Sorgen um ihn.

Und bedauert es, ihn nie richtig kennengelernt zu haben. Er begreift seine Reise mit Woody als einmalige Gelegenheit, sich ein anderes Bild von seinem Vater machen zu können.“
Um das überzeugend rüberbringen zu können, musste er sich auf eine komplexe Beziehung mit Bruce Dern einlassen. „Das war ziemlich einschüchternd“, räumt er ein. „Aber es war auch pure Magie.“

MUTTI IST DIE BESTE – June Squibb
„Keith White. Der wollte mir auch an die Wäsche, aber er war so langweilig. Schau mal, was du hättest haben können, Keith, wenn du nicht laufend über Weizen gelabert hättest.“
-- Kate Grant

Bei NEBRASKA mag es sich um eine Vater-Sohn-Geschichte handeln, aber es ist eine Frau, die im Mittelpunkt einiger der bemerkenswertesten Szenen des Films steht. Diese Szenen gehören June Squibb, die Kate Grant regelrecht verinnerlicht, ihre rasiermesserscharfe Zunge, ihren tiefgründigen Humor und ihre unüberwindbare Stärke als Ehefrau und Mutter, die ihre Familie über alles andere stellt, wie dick es auch kommen mag.
Die in Illinois geborene Schauspielerin, die ihr Debüt in Woody Allens ALICE („Alice“, 1991) gegeben hatte, war für Alexander Payne bereits als Ehefrau von Jack Nicholson in ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2002) zu sehen gewesen, aber das war ein völlig anderes Kaliber an Rolle – eine kleine Nebenrolle. Squibb gibt zu Protokoll, dass sie gleich beim ersten Vorsprechtermin, der auf Video aufgezeichnet wurde, genau wusste, wie sie diese Kate Grant zu spielen hatte. „Ich habe keine Ahnung, ob Alexander schockiert oder überrascht war, aber ich wusste genau, wer diese Frau ist, und ich glaube, dass das in der Aufnahme rüberkommt“, sagt sie. „Sie sagt all diese Dinge nicht einfach nur, sie ist von ihnen überzeugt. Sie macht einem überhaupt nichts vor.“
Squibb war begeistert von Kates kompromissloser Unverblümtheit. „Sie hat keinen Filter“, überlegt sie. „Die Worte kommen aus ihrem Mund in dem Moment, in dem sie ihr in den Sinn kommen. Sie hat ganz genaue Vorstellungen davon, wer sie ist und wer ihr Ehemann ist und wer ihre Söhne sind, und das ist nun mal so, wie es ist. Aber ich liebe sie von ganzem Herzen. Sie ist witzig. Und doch beschützt sie auch ihre Familie und ist eine respekteinflößende Person.“
In Kate steckt mehr, als man beim ersten Anblick denken mag. Das muss vor allem ihr Sohn David feststellen, der im Verlauf der Reise eine ziemlich beunruhigende, lustvolle Seite der Jugend seiner Mutter in Nebraska kennenlernt. Die Offenbarung dieses Teils der Figur war der Schlüssel zu Squibbs vielseitiger Darstellung.
„Kate und Woody haben eine Kleinstadt-Highschool besucht, wo sie womöglich eine hübsche, sinnliche junge Frau war“, merkt Squibb an. „Ich habe mir überlegt, wie viel List und Tücke sie

angewandt haben mag, um Woody zu bekommen. Und ich bin mir sicher, dass das Versprechen von Sex dazugehört hat. Natürlich ist sie auch katholisch erzogen, aber sie setzte ihre List ein, um zu sagen: Kein Rumgefummel mehr, bis ich den Ring am Finger habe. So wie sie das sieht, waren alle Jungs der Stadt verrückt nach ihr. So ist ihr Selbstverständnis.“
Beim Dreh wurde das Porträt einer Frau, die die Dinge immer so sagt, wie sie sie sieht, egal, wie unangemessen es gerade erscheinen mag, von Squibb in enger Zusammenarbeit mit ihrem Regisseur Payne immer weiter geschliffen. „Unsere Beziehung würde ich als Tanz beschreiben, weil er zuließ, dass ich mich auf eine Weise bewege, die ich richtig für diese Frau fand – und dann begann er damit zu arbeiten und fütterte mich mit Vorschlägen, die ich mit einarbeiten sollte. Ich erinnere mich noch, dass es bei ABOUT SCHMIDT auch schon so gewesen war, aber diesmal war die Zusammenarbeit natürlich viel intensiver. Wir haben fast ständig gefeilt und geschliffen und poliert – das war sehr aufregend.“
Das Ergebnis elektrisierte das gesamte Team. „June stürzte sich Hals über Kopf in diese resolute, unzähmbare, unzensierte Mutter, die voller Begierde und feuriger Ansichten steckt, und das war schon beeindruckend“, sagt Produzent Yerxa.

DER LIEBLING – Bob Odenkirk
„Ein Heim wäre in seinem besten Interesse –
und das, lass uns so ehrlich sein, ist mehr, als er je für uns angestrebt hat.“
-- Ross Grant

Während David mehr den Fußstapfen seines Vaters zu folgen scheint, ist sein Bruder Ross so etwas wie die Familienberühmtheit – ein Nachrichtensprecher, der täglich im Fernsehen zu sehen ist. Diese Rolle übernahm Bob Odenkirk, der Schauspieler, Autor und Regisseur, den man vor allem für seine ikonische Rolle des Anwalts Saul Goodman in der gefeierten Serie „Breaking Bad“ kennt.
Odenkirk fand die krassen Unterschiede zwischen den beiden Brüdern spannend. „David ist mehr so ein zielloser Kerl mit einem guten Herzen, während meine Figur eher einem zielgerichteten, modernen Typus entspricht“, erklärt er. „Ross ist ein Nachrichtensprecher, also bin ich immer auf dem Sprung, ich habe es geschafft. Ich habe eine Zukunft und bin beim Fernsehen. Ross ist ein bisschen selbstgefälliger. Und er ist wütender auf seine Eltern und geht mit Woody, den er für einen Alkoholiker hält, härter ins Gericht. Und doch denke ich, dass dieses Abenteuer, auf das wir uns einlassen, die gesamte Familie enger zusammenschweißt. Auf dem Weg weichen die verhärteten Fronten auf, alle öffnen sich den anderen etwas mehr. Es ist eine menschliche Komödie, die voller Zärtlichkeit steckt.“

Odenkirk war hingerissen, mit einem so illustren Ensemble arbeiten zu können. „Es war ein verrücktes Geschenk, Teil dieses Films sein zu dürfen“, sagt er. „Ich liebe alle diese Menschen, jeder einzelne ist großartig in seiner Rolle. Forte ist ein Freund von mir, also machte es Spaß, ihn als Bruder an meiner Seite zu wissen. Bruce Dern als Papa ist der großartigste mürrische, knallharte, gereizte, verkrustete alte Stinkstiefel, den man jemals als unterhaltsam empfunden hat. Und June Squibb, die eine der absolut reizendsten Damen ist, die ich jemals kennengelernt habe, spielt eine Ehefrau, die berechtigterweise verärgert darüber ist, was sie seit Jahren mit Woody durchzumachen hat – und sie spielt das mit durchgedrücktem Gaspedal.“
Ungewohnt für Odenkirk war der Rhythmus, mit dem Alexander Payne an NEBRASKA arbeitete, einem Film voller weit offener Räume und subtiler Momente, in dem sich Veränderung bei den Menschen so ausdrückt, dass sie sich ein oder zwei Zentimeter aufeinander zubewegen. „Meine Figur in ,Breaking Bad‘ hat immer viel Dialog, hier war das ganz anders“, meint Odenkirk. „Viele Szenen in NEBRASKA kommen ohne viel Dialog aus. Alexander drängt uns dazu, ganz sensibel dafür zu sein, dass sich die meiste Kommunikation in dieser Familie mit Blicken und wortlosen Momenten abspielt.“

DER VETERAN – Stacy Keach
„Ich bin ein Mann mit einem klaren Verständnis dafür, was richtig ist und was falsch.
Und sollte Woody tatsächlich zu Geld gekommen sein und ich würde nichts davon sehen, dann wäre das falsch.“
-- Ed Pegram

Als Woody wieder zu Hause in Nebraska ankommt, verbreitet sich in Windeseile die Nachricht von seinem angeblichen Reichtum. Es dauert nicht lang, bis seine alten Freunde, Feinde und Bekannten anklopfen, um ihren Anteil einzufordern. Der Mann, der am wildesten entschlossen ist, auf die eine oder andere Weise an Woodys Traum teilzuhaben, ist sein ehemaliger Geschäftspartner aus längst vergangenen Tagen, Ed Pegram, gespielt von dem Leinwand- und Bühnenveteranen Stacy Keach, der 1972 über Nacht bekannt wurde mit der Hauptrolle in John Hustons Boxdrama FAT CITY („Fat City“) und zuletzt in THE BOURNE LEGACY („Das Bourne Vermächtnis“, 2012) zu sehen war.
Keach und Bruce Dern hatten bereits vor langer Zeit miteinander zu tun. Gemeinsam haben die beiden schon vor mehr als 30 Jahren zusammen mit Robert Mitchum in dem Sportdrama THAT CHAMPIONSHIP SEASON („Champions“, 1982) vor der Kamera gestanden. Das machte die Auswahl, ihn als Ed Pegram zu besetzen, zusätzlich zu einem Volltreffer. „In dieser Hinsicht hätte die Besetzung kaum besser sein können, weil ich Bruce seit fast 30 Jahren nicht mehr gesehen hatte – so wie Woody und Ed sich 40 Jahre nicht mehr begegnet waren“, merkt Keach an.

Wie seine Darstellerkollegen war auch Keach von der Geschichte fasziniert. „Alexander hält in NEBRASKA einen Ausschnitt von Americana fest, das man noch nie zuvor im Kino gezeigt hat. Es ist eine Geschichte, die auf vielfältige Weise widerspiegelt, wie es in Amerika in der Provinz aussieht, wie das Herz des Landes schlägt“, überlegt er.
Seine Figur bringt ein bisschen humorvolle Erleichterung mit, aber sie sorgt auch für Spannung. Was Keach nur recht ist, da er ohnehin keine große Unterscheidung zwischen Komödie und Drama macht. „Ich habe via Skype einen Kurs an der George Mason University gegeben und erzähle meinen Schülern stets das Folgende: Wenn man Komödie macht, darf man nicht versuchen, lustig zu sein, sondern immer echt und wahrhaftig. Die Komödie kommt dann von selbst. So ist das nun mal auch in der Realität“, sagt er.
In einer Szene singt Ed Pegram in einem Restaurant in Nebraska eine ziemlich unglaubliche Karaokeversion von „In the Ghetto“, dem 1969 von Mac Davis geschriebenen Song über Armut in den Problemvierteln der Großstädte, der von Elvis Presley zu einem Welthit gemacht wurde. Obwohl das ein bisschen absurd wirkt angesichts der Tatsache, dass Pegram sein Lebtag nicht die Stadt verlassen hat, in der er groß geworden ist, meint er es doch todernst. „Ich hatte wirklich das Gefühl, dass dieses Lied Ed nahegeht“, kommentiert Keach, der selbst ein versierter Komponist ist. „Natürlich ist Ed nicht in einem Ghetto aufgewachsen, aber ich denke, dass er sich auf eine merkwürdige Weise mit den Opfern identifizieren kann. Ich habe nie wirklich ernsthaft in einem Film gesungen. Ich bin ein Schauspieler, der eine Melodie ganz gut halten kann, aber ich glaube, dass das gut genug für Ed ist. Ich dachte mir, dass er selbst sich allerdings als eine Mischung aus Elvis und Johnny Cash sieht.“
Momente wie dieser verleihen der Figur eine Tiefe, die ihr aggressives Goldgräberverhalten in einer nachvollziehbaren Menschlichkeit verankert. „Alexander wollte einen Schauspieler in dieser Rolle sehen, der einschüchternd sein kann, aber trotzdem einen Weg finden musste, dem Publikum diesen Ed Pegram ans Herz wachsen zu lassen“, meint Berger. „Ganz oberflächlich betrachtet ist Ed ein Tyrann, aber Stacy fand trotzdem einen Weg, sich auf ihn einzulassen und ihn als komplexen Typen darzustellen.“
Weitere herausragende Mitglieder der Besetzung sind Tim Driscoll und Devin Ratray als Woodys mit allen Wassern gewaschene Neffen sowie Angela McEwan als Zeitungsredakteurin, die vor langer Zeit mal ziemlich viel für Woody übrig gehabt hatte. Kleinere Rollen wie Tante Betty und Onkel Cecil wurden mit Laien besetzt.
Viele Mitglieder des Casts reden nicht viel. Aber wie sie so wenig sagen, sagt viel über sie aus und ist Grundlage für humorvolle und menschliche Momente. „Es gibt nicht viele Regisseure, die die komischen Möglichkeiten der Stille so ausreizen wie Alexander“, meint Yerxa. „Der Humor kommt in großen Teilen vom Publikum selbst, das sich selbst ausmalen muss, was gerade in den

Köpfen der Figuren vor sich geht. Oft sind Alexanders philosophische Ideen eng mit den Figuren und ihren absurden Situationen verbunden, sie fließen ganz unmittelbar in die Geschichte ein. Ein perfektes Beispiel ist die Szene, in der Davids Onkel sich über einen alten Buick unterhalten und Onkel Ray einwirft: ,Diese Autos laufen ewig ... Was ist denn mit dem Karren passiert?‘ Und Onkel Verne sagt: ,Läuft nicht mehr.‘ Und darauf Onkel Ray: ,Kann vorkommen.‘ Es ist eine sehr lustige Szene, aber in ihr drückt sich auch die Vorstellung aus, dass man die Realiät auf die eine oder andere Weise akzeptieren muss.“
Berger merkt an, dass Payne seinen Fokus zu hundert Prozent auf jeden einzelnen Schauspieler richtet, ganz egal, wie klein oder groß seine Rolle im Film auch sein mag. „Es ist immer eine Freude, Alexander bei der Arbeit mit den Schauspielern zuzusehen“, sagt er. „Ich muss an David denken, wenn er im Krankenhaus bei Woody am Bett steht. Alexanders Anweisung an Will war:
,Schau diesen Mann an, nimm ihn als den Albatros wahr, der dir seit 35 Jahren um den Hals hängt.‘ Den Humor und die Menschlichkeit, die er den Schauspielern vermittelt, sind ein echtes Geschenk.“

EINE GESCHICHTE, DIE JAHRE AUF IHRE VOLLENDUNG WARTETE – Vorproduktion
„Bin ich der einzige Mensch in dieser Familie, der seine Sinne beisammen hat?“
-- Kate Grant

Der in Illinois ansässige Sketchautor Bob Nelson fasste den Beschluss, sich einmal an etwas zu versuchen, das ihm selbst sehr nahesteht. Was er an Erfahrung vermissen ließ, machte er dadurch wett, dass er das Treiben der Figuren, über die er schreiben wollte, über Jahre hinweg verfolgt und beobachtet hatte. Ihm ging es um die amüsant einsilbigen, unprätentiösen Menschen aus dem Mittleren Westen der Vereinigten Staaten, die ihr ganzes Leben lang arbeiten, in den Krieg ziehen, Kinder großziehen und ihre kleinen privaten Kämpfe ausfechten, ohne dass sie ihre Geschichten erzählen, nicht einmal ihren Kindern.
„Ich wollte einfach eine Geschichte über ganz normale Menschen schreiben“, sagt Nelson. „Ich mag Geschichten, die eine ganz wahrhaftige menschliche Qualität haben. Und ich wollte etwas schreiben über die Freude des Lebens und die Traurigkeit, die auch dazugehört. Und ich wollte etwas schreiben, das die Menschen bewegt, nachdem ich zehn Jahre lang ausschließlich Comedy geschrieben hatte. Mir ging es vor allem darum, dass sich die Figuren in dem Film so echt anfühlen sollten, dass man sich in ihrem Leben verlieren kann.“
Die Aufrichtigkeit von Nelsons Drehbuch für NEBRASKA entspringt seinen eigenen Familienerlebnissen. „Ich plünderte meine eigenen Familiengeschichten, um eine Struktur für die Geschichte zu finden, und dann erfand ich einfach noch viele Dinge dazu“, erklärt er.

Eine weitere Inspiration für Nelson waren die wahren Geschichten von Senioren, die in Verlagsverrechnungsstellen aufkreuzen, um ihre nicht existenten Gewinne einzufordern. „Ich las das und überlegte, was wohl passieren würde, wenn dein alter Vater der Typ sein würde, der darauf besteht, dass er gewonnen hat“, erinnert sich der Drehbuchautor. „Was würde man da machen? Ich dachte mir, dass eine besondere Art von Sohn vielleicht mitspielen und ihn auf der Reise begleiten würde. Und das war der Startschuss für NEBRASKA.“
Was als Don-Quixote-artige Suche nach einer Million Dollar beginnt, entwickelt sich nach und nach zu einer Suche nach etwas, das Vater und Sohn noch wichtiger ist – etwas, das man als wortlose Vergebung bezeichnen könnte. „David will seinen Vater unbedingt als guten Menschen sehen, auch wenn er vielleicht manche Probleme und Defizite haben mag“, meint Nelson. „Und tief in sich drin will Woody die Dinge für seine Familie wiedergutmachen, auch wenn er keinen Schimmer hat, wie er das anstellen soll.“
Die wirksame Mischung aus Humor und menschlichem Bedürfnis in Nelsons Drehbuch erweckte schon bald die Aufmerksamkeit der ausführenden Produzentin Julie M. Thompson, die mit ihm an einem Projekt für PBS gearbeitet hatte. „Ich musste viel lachen, war zugleich aber total ergriffen“, erinnert sie sich an das erste Mal, als sie NEBRASKA las. „Da ich selbst aus dem Mittleren Westen stamme, erkannte ich die Figuren sofort wieder.“
Tatsächlich war Thompson so begeistert, dass sie das Buch an die Produzenten Albert Berger und Ron Yerxa weiterleitete, die im Ruf stehen, eine ganze Reihe einflussreicher und einfühlsamer Tragikomödien, darunter Alexander Paynes ELECTION („Election“, 1999), Jonathan Daytons und Valerie Faris’ LITTLE MISS SUNSHINE („Little Miss Sunshine“, 2006) und Todd Fields LITTLE CHILDREN („Little Children“, 2006), auf die Leinwand gebracht zu haben. Der Titel des Drehbuchs ließ die beiden Produzenten sofort an Alexander Payne denken – und sie schickten es ihm umgehend zu. Das ist beinahe zehn Jahre her, gar nicht mal so lang nachdem sie ELECTION fertiggestellt hatten.
„Es war eine wunderbare Geschichte, mit Witz, Pfiff und Einfühlungsvermögen geschrieben – natürlich fiel uns sofort Alexander ein“, erinnert sich Berger. „Wir hatten ELECTION zusammen gemacht, für alle Beteiligten eine sehr erfolgreiche Zusammenarbeit. Damals konnten wir uns gut vorstellen, dass Alexander womöglich als Mentor einen anderen Filmemacher unterstützen könnte. Er las es sehr schnell durch, rief uns an und sagte, dass er schon eine Idee für einen Regisseur hätte. Wir fragten: Wer? Und er sagte: Na, ich. Ron und ich waren begeistert. Wir hätten uns keine bessere Wahl vorstellen können. Der einzige Haken war, dass er gerade ABOUT SCHMIDT gemacht und bereits mit der Vorbereitung von SIDEWAYS begonnen hatte.“
Bereitwillig gaben die Produzenten Payne den nötigen Freiraum, den Film dann zu machen, wenn er sich dazu bereit fühlte. „Alexanders Filme sind absolut unverkennbar“, meint Ron Yerxa. „Sie

sind immer randvoll mit Ideen, aber er bettet diese Ideen in eine humorvolle, überraschende Erzählung ein. Wenn man sich gerade richtig prächtig unterhält, packt er einen am Kragen und erzählt einem etwas Unerwartetes über das Leben. NEBRASKA war genau das richtige Material für diesen Ansatz. Es geht um eine Situation im Leben, in die die meisten von uns einmal geraten, wenn  die  Eltern  älter  werden.  Es  geht  um  einen  Sohn,  der  eine  emotionale  Verbindung  mit jemandem herstellen will, der sich komplett aus dem Leben ausgeschlossen zu haben scheint – und seine Entdeckung, dass tief im Inneren seines Vaters eine Großzügigkeit und Würde steckt, die  er  niemals  von  ihm  erwartet  hätte.  Wie  eine  Familie  lernt,  sich  gegenseitig  ihre  Liebe füreinander zu zeigen, ist ein wirklich starkes Thema, für uns beide genauso wie für Alexander.“ Thompson  war  begeistert.  „Ich  habe  gewusst,  dass  Ron  und  Albert,  zwei  Produzenten,  die besonderes Talent im Adaptieren von figurengetriebenen Geschichten bewiesen haben, etwas mit diesem Stoff würden anfangen können – und ihn zu Leben erwecken könnten. Wir hatten also die richtigen Produzenten, wir hatten den richtigen Regisseur. Jetzt mussten wir nur noch den richtigen Moment abwarten.“
Dieser richtige Moment ließ indes auf sich warten. Und doch blieb NEBRASKA die ganze Zeit über in Paynes Bewusstsein. Nach dem Erfolg von THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten“, 2011), der es auf fünf Oscar®-Nominierungen brachte, wandte er sich dem Stoff wieder zu, diesmal mit seiner kompletten Aufmerksamkeit. Payne hatte es immer gemocht, dass es sich bei NEBRASKA um eine erwachsene, unsentimental erzählte Geschichte handelte. Jetzt fand er allerdings, dass sie noch aktueller und zeitgemäßer war als damals, als Bob Nelson sie geschrieben hatte.
„Ich hatte dieses wunderbare Drehbuch vor neun Jahren auf den Tisch bekommen. Mir hatte damals schon gefallen, dass es humorvoll und melancholisch war, wie das Leben selbst. Mir gefiel auch, dass der Autor wirklich eigene Erfahrungen verarbeitet hatte und das Ergebnis sich so persönlich las“, meint der Regisseur. „Als wir uns wirklich daranmachten, das Drehbuch zu verfilmen, waren so viele Dinge in unserer Gesellschaft passiert, dass sich der Stoff auf einmal anfühlte wie eine moderne Geschichte, die von einer neuen Großen Depression erzählt. Aber ich glaube, jeder Film macht sich die Zeit zu Eigen, in der er gedreht wird. Der Wind der jeweiligen Periode durchweht ihn ganz automatisch, ob einem das nun bewusst ist oder nicht.“

DAS HINTERLAND – der Drehort
„Mein Vater hat das alles hier gebaut.“
-- Woody Grant

Für Alexander Payne markiert NEBRASKA eine Art Heimkehr zu der Kulisse im Mittleren Westen, die schon seine ersten drei Filme ausgezeichnet hatte – CITIZEN RUTH („Baby Business“, 1996),

ELECTION („Election“, 1999) und ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2002). Mit ihnen hatte er seine mit trockenem Humor vorgetragene Vision eines Americana etabliert, bevor er seinen Blick in SIDEWAYS („Sideways“, 2004) und THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten“, 2011) auf Kalifornien bzw. Hawaii ausdehnte.
Und doch ist es eine Heimkehr in eine Gegend, an der der Zahn der Zeit genagt hat. Es ist eine Gegend, die sich in eine Abfolge verblasster Kleinstädte verwandelt hat, die nicht mit den wirtschaftlichen Anforderungen des 21. Jahrhunderts mithalten können, aber doch immer noch eine Lebensart unterstützen, die einst das Land, wie wir es kannten, definierte. Es ist auch eine Gegend, die ein besonderes Schlaglicht auf die Dilemmas von Woody und David Grant werfen, einen Vater und einen Sohn, die sich nicht ganz im Klaren darüber sind, wie sie sich die eigene und die Zukunft des anderen vorstellen sollen.
Payne wählte die Drehorte für NEBRASKA mit eben jener peniblen Sorgfalt aus, die untrennbar mit seinem Stil verbunden wird. Tatsächlich ist sein endloses Streben nach naturalistischen Kulissen eine der Hauptherausforderungen bei seinen Produktionen. Berger merkt an: „Alexander besetzt seine Kulissen genauso sorgfältig wie seine Schauspieler.“
Da der Film in Schwarz-Weiß gedreht werden sollte, war der Ton entscheidend bei den Überlegungen zu Drehorten und Kostümen. Das war eine neue Erfahrung für alle Beteiligten. „Ich habe noch nie zuvor für Schwarz-Weiß entworfen, aber wir ließen uns, soweit es möglich war, von klassischen alten Filmen inspirieren“, merkt Szenenbildner Dennis Washington an, zu dessen Filmarbeiten Titel wie THE FUGITIVE („Auf der Flucht“, 1993), PRIZZI’S HONOR („Die Ehre der Prizzis“, 1985) und STAND BY ME („Stand By Me – Das Geheimnis eines Sommers“, 1986) gehören. „Wir mussten gewisse Taktiken, die wir in der Vergangenheit angewandt hatten, neu erlernen – und dann koppelten wir sie an die neuen Möglichkeiten digitaler Effekte.“
Dieser Unterricht begann in dem Moment, in dem Washington an Bord kam. „Als wir nach Locations suchten, nahmen wir Fotos in Farbe auf und wandelten sie dann in Schwarz-Weiß um, damit ich die Veränderungen studieren konnte. Man möchte glauben, dass man weiß, wie diese Veränderungen sich niederschlagen werden, aber das ist nicht der Fall. Bei Farbe richtet man seinen Fokus in eine gewisse Richtung, aber bei Schwarz-Weiß verlagert sich der Fokus in eine andere Richtung. Nach und nach stieg ich durch. Später half uns all das Gelernte, die Subtilität dahin zu fokussieren, wo sie auch sein sollte. Wir lernten, wie man mit der Ausleuchtung arbeitet. Und wir verstanden, wann wir die Kontraste verstärken mussten, um diesen wunderbaren Effekt zu erzielen, der sich bei Schwarz-Weiß einstellt.“
Plainview, Nebraska – eine Stadt, deren bescheidener, geradliniger Name Bände spricht – wurde als das Hawthorne des Films eingesetzt. „Wir suchten nach einer Stadt, die einem etwas über Woodys Herkunft erzählt, eine dieser Städte, die sich in den letzten Jahrzehnten kaum verändert

hat. Plainview ist eine quicklebendige Kleinstadt – sie entspricht der Stadt im Drehbuch eigentlich überhaupt nicht. Aber sie strahlt eine Atmosphäre aus, als würde sie in ihrer eigenen Zeit existieren“, erklärt Washington.
Er berichtet weiter: „Hawthorne ist ein Ort, der nicht allzu lieblich wirken soll. Gentrifizierung existiert nicht. Man sieht eine Mischung aus Alt und Neu, aber man hat den Eindruck, dass sich die Stadt nicht sonderlich bewegt hat. Sie überlebt, wie auch ihre Einwohner. Unsere Arbeit an der Stadt war sehr subtil.“
Um den Ansprüchen des Films zu genügen, wurden alle Straßenschilder von Plainview zu Hawthorne verändert, was gewisse Konsequenzen hatte. „Ich habe mir erzählen lassen, dass manche Fed-ex-Fahrer verzweifelt nach Adressen in Plainview suchten, aber immer nur Hinweise auf Hawathorne fanden. Sie waren mitten in der Kleinstadt hoffnungslos verloren.“
Es war Washingtons erste Arbeit für Alexander Payne, eine Erfahrung, die er sehr genoss. „Ich kann mich nicht erinnern, jemals so viel Zeit mit einem Regisseur auf der Suche nach den richtigen Kulissen verbracht und mich mit ihm so intensiv über die Theorie und die Geschichte ausgetauscht zu haben“, erzählt er. „Alexander sagte am Anfang zu mir: ,Ich bin sehr speziell, was Drehorte betrifft.‘ Und das war kein Lippenbekenntnis. Er begleitete uns von Tür zu Tür, um wildfremde Menschen anzusprechen: ,Sie kennen uns zwar nicht, aber wir würden uns gerne Ihr Haus ansehen.‘ Er hatte immer eine ganz spezielle Vorstellung im Kopf, aber er war immer offen für neue Inspirationen. Manchmal saß ich mit ihm im Auto und er hielt an und sagte unvermittelt:
,Sieh dir mal dieses Schild an. Dieses Schild musst du haben.‘ Das bereichert die Geschichte an allen erdenklichen Stellen.“
Für Kostümdesignerin Wendy Chuck, die seit ELECTION („Election“, 1999) an allen Filmen von Alexander Payne beteiligt war, erwies sich NEBRASKA als regelrechte Studie in Subtilität. Sie arbeitete mit großer Akribie daran, ihre Figuren so aussehen zu lassen, als sei Akribie für sie ein Fremdwort. Sie sollten unauffällig, beliebig, natürlich und wahrhaftig aussehen, wie  die Menschen, denen man im Mittleren Westen auf der Straße begegnet.
Für Bruce Derns Woody arbeitete sie sich von unten nach oben. „Meine Arbeit begann mit der Suche nach den richtigen Schuhen“, erklärt sie. „Er wandert den ganzen Film über in eisiger Kälte. Also begann ich mit Schuhen, die ich als Alte-Männer-Schuhe identifizierte und die vor allem bequem sein mussten. Dann entschied ich, dass er den ganzen Film über dasselbe Paar Jeans tragen sollte. Sie denken jetzt vielleicht: ,Oh, einfach nur Jeans‘, aber wir wollten genau die richtigen Hosen. Sie sollten so aussehen, als hätte man sie vor langer Zeit gekauft. Und nun fangen sie an, am Hintern und an anderen Stellen abgescheuert auszusehen. Wir ließen die Jeans ordentlich altern und Patina ansetzen.“

Bei Woodys Karohemden ging Wendy Chucks Team ähnlich vor: Sie wurden in Betonmischer gesteckt und mit Zitronensaft getränkt, um sie so verblichen und abgenutzt aussehen zu lassen, wie er selbst es ist. Und schließlich kam noch die Jacke dazu, die Woody während des gesamten Films anhat. „Wir hatten Glück und fanden genau das richtige Modell bei der Heilsarmee  in Norfolk, Nebraska – lokaler geht es eigentlich gar nicht“, meint Wendy Chuck. „Sie hatte die richtige Textur, das richtige Alter. Und sie verleiht Bruce die richtige Silhouette für seine Darstellung. Er hat einen mehrschichtigen Look. Und ich denke, das beschreibt ihn auch ganz gut: Er ist ebenfalls ein Mann mit mehreren Schichten. Und so präsentieren wir unseren Woody.“
David trägt zu Beginn des Films typische Alltagskleidung für Herren, aber je weiter die Handlung fortschreitet, desto mehr nähert er sich mit seiner Garderobe seinem Vater an, bis er schließlich auch Jeans und Karohemden trägt. „Wir unterstreichen damit, dass sich die beiden etwas annähern“, erklärt Wendy Chuck. „David hat viele ähnliche Kleidungsstücke wie Woody, aber stets in leicht anderen Versionen.“
Obwohl sie es im Grunde nur mit ganz alltäglichen Kleidungsstücken zu tun hatte wie den praktischen Button-down-Blusen für June Squibb oder Stacy Keachs Truckerhüten, hat Wendy Chuck doch den Eindruck, dass ihr ein vielschichtiges und eindringliches Porträt eines ganz normalen, alltäglichen Lebens gelungen ist. „Von der ersten Woche an war ich bei dieser Produktion wie auf Wolke sieben, weil ich zu etwas beitragen durfte, was ich als Kunstwerk betrachte“, sagt sie. „Es ist so aufregend, jeden Tag aufzuwachen und eine große Leidenschaft dafür zu verspüren, was man macht, mit freudiger Erwartung am Drehort zu erschienen, dort die Menschen zu treffen, die man liebt, eng mit ihnen zu arbeiten. Und am Abend freut man sich darauf, dass es am nächsten Tag wieder genauso sein wird. Hungrig auf mehr sein zu können, das ist ein echtes Geschenk.“
Unmittelbar nach Abschluss der Dreharbeiten begannen Payne und sein langjähriger Schnittmeister Kevin Tent, der alle seine Filme geschnitten hat, die Erzählung in ihre finale Form zu bringen. Zum Abschluss kam noch die Filmmusik von Mark Orton dazu, einem Komponisten und Multiinstrumentalisten, den man als Mitglied der unkategorisierbaren Kammermusikgruppe Tin Hat Trio kennt.
„Alexander setzte früh bereits bestehende Aufnahmen des Tin Hat Trio ein und war dann so begeistert davon, dass er Mark bat, eigens für den Film neue Musik zu schreiben“, erklärt Berger.
„Marks Musik hat eine sehnsüchtige, seelenvolle Qualität, die sehr filmisch ist. Sein Score passt perfekt zur Landschaft und zum Wesen der Figuren – er zeichnet sich durch dieselbe Mischung aus Humor und Tiefe auf.“

Diese Kombination aus witzig und feinfühlig zieht sich durch den ganzen Film. Und doch ist das Filmemachen so zurückgenommen, dass der Zuschauer nie manipuliert wird, sondern sich selbst in den Film einbringen kann.
„Ich denke, dass es vielen Menschen so geht, dass sie gerne einmal eine Reise mit einem Elternteil unternehmen würden – oder dass es diesen einen Moment gibt, den man gerne einmal zusammen gehabt hätte“, meint Yerxa abschließend. „Vielleicht ist es niemals dazu gekommen, aber tief in sich drin hat man sich das immer gewünscht. NEBRASKA unternimmt diese Reise und erlebt diesen Moment.“

DAS NEUE SCHWARZ UND WEISS – Kameraarbeit
„Ihr habt zwei Tage für 1200 Kilometer gebraucht?
Mit was wart ihr unterwegs – mit einem Müllauto oder was?“
-- Cole

Eine der ersten wichtigen Entscheidungen, die Alexander Payne bei NEBRASKA traf, war der Beschluss, den Film in Schwarz-Weiß zu drehen. Er war sich des Risikos bewusst, aber es war ein zentraler Bestandteil seiner Vision für den Film. „Der visuelle Stil war das Fenster, durch das ich in den Film schauen konnte“, erklärt Payne. „Ich wollte immer schon einen Film in Schwarz-Weiß machen. Es ist ein wunderschönes Format. Und diese bescheidene, strenge Geschichte verlangt nach einem visuellen Stil, der so nackt, einfach und direkt ist wie das Leben, das die Menschen in diesem Film führen.“
Alle Beteiligten waren fasziniert von der Idee, auch wenn eine gewisse Unsicherheit besteht, was Schwarz-Weiß als Medium in der heutigen Filmwelt anbetrifft. Berger sagt: „Alexander war immer schon an einem authentischen Look interessiert, aber das Schwarz-Weiß verleiht der Geschichte sofort eine ikonische Qualität. Er und sein Kameramann Phedon Papamichael setzen das Schwarz- Weiß und das Cinemascope-Format ein, um damit das Erzählen der Geschichte zu unterstützen. Manchmal musste ich an John Fords Filme denken oder an Peter Bogdanovichs THE LAST PCTURE SHOW („Die letzte Vorstellung“, 1971) – unser Film passt sehr gut in diese amerikanische Tradition des visuellen Erzählens. Und Phedon ist ein so großartiger Kameramann, dass es wirklich aufregend war, ihn sein Talent einmal in diese neue richtige Richtung strecken zu lassen.“
Yerxa sagt dazu: „Phedon hat das unglaubliche Auge, im Stinknormalen große Schönheit zu entdecken. Ich finde, der Look des Films hat eine Qualität, die der eigenen Vorstellung, die man vom Mittleren Westen hat, entspricht. Er erlaubt es auf eine einladende und atmosphärische Weise, zu überlegen, was unsere quintessenzielle Vorstellung von Americana ausmacht.“
Das Schwarz-Weiß lenkt den Fokus noch stärker auf den filmemacherischen Aspekt. „Jede Einstellung  wurde  penibel  vorbereitet,  um  diese  Schwarz-Weiß-Welt  zu  erschaffen“,  meint

George Parra. „Alexander und Phedon ist an purem Filmemachen gelegen. Es gibt fast keine Aufnahmen mit Kran oder Steadycam, der Film steht diesbezüglich ganz in der Tradition von Billy Wilder.“
Die Schauspieler waren ebenfalls Feuer und Flamme. „Der Film verlangt nach Schwarz-Weiß, weil das dem Zuschauer nahelegt, sich auf das menschliche Verhalten zu konzentrieren“, sagt Stacy Keach. „Es gibt keine Ablenkung.“
Papamichael, der mit Payne bereits SIDEWAYS („Sideways“, 2004) und THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten“, 2011) realisiert hat, sagt, dass Payne vom ersten Moment stets nur über Schwarz-Weiß für NEBRASKA gesprochen habe: „So hat er den Film in seinem Kopf gesehen. Obwohl er sich gegen manche Widerstände durchsetzen musste, war das also immer der Plan.“
Die spezifische Umsetzung von Ton und Textur wurde mithilfe einer Reihe von Tests bestimmt.
„Wir haben viel versucht und ausprobiert, um den ganz spezifischen Look von Schwarz und Weiß zu finden, der richtig für den Film ist“, erzählt der Kameramann. „Da findet sich nicht der Hauch von Stilisierung. Es ist ein stark kontrastierender Look, der die menschliche Komödie unterstützt und die richtige Stimmung setzt.“
Papamichael merkt an, dass man kreativ das meiste aus dieser ungewöhnlichen Möglichkeit herausholen wollte. „Uns allen war bewusst, dass das möglicherweise die einzige Gelegenheit in unserem Leben sein würde, einen Film in Schwarz-Weiß zu machen. Das ist sicherlich der große Traum für die meisten Filmemacher, also genossen wir unsere Arbeit sehr. Am Ende herrschte das Gefühl vor, dass sich keiner so recht vorstellen konnte, jemals wieder einen Film in Farbe zu machen. Es war, als würde man eine völlig neue Realität erschaffen.“
Um diese Realität bis zur Neige auszuschöpfen, studierten er und Payne Werke des Film noir, des italienischen Neorealismus und zeitgenössische amerikanische Filme wie THE LAST PICTURE SHOW („Die letzte Vorstellung“, 1971) – hier muss man anmerken, dass der Vater von Papamichael der Kameramann der Fortsetzung von THE LAST PICTURE SHOW war: TEXASVILLE („Texasville“, 1990). Aber die treibende Kraft waren die Figuren.
„Wie das Schwarz-Weiß allein im Zusammenspiel mit der Textur von Bruce Derns Gesicht wirkt, zusammen mit all den Subtilitäten seiner Darstellung, das ist schon sehr stark“, sagt Papamichael.
„Genauso wichtig war die Entscheidung, mit anamorphen Objektiven zu arbeiten, was sich angesichts der Landschaften, in denen wir gefilmt haben, natürlich anbietet – die unermessliche Weite, die Wirkung des Himmels, die Texturen der Felder, die Atmosphäre in den Gemeinden im Mittleren Westen.“
Die Entscheidung, mit Arri-Alexa-Kameras zu drehen, wurde nach den umfassenden Tests mit unterschiedlichstem Schwarzweiß-Filmmaterial getroffen, als man realisierte, dass eine digitale

Kamera mehr Bandbreite und Flexibilität liefern würde. In der Postproduktion wurde eine Lage authentischer Filmkörnigkeit zum digitalen Print hinzugefügt, um die Welligkeit von Zelluloid zu emulieren.
Dies war das erste Mal, dass Papamichael im Mittleren Westen drehte. Er war angetan von den Ortschaften und noch mehr von ihren Einwohnern. „Es gibt all diese wunderbaren, archetypischen Landschaften, aber meine Lieblingsmomente beim Dreh waren diese kleinen, mächtigen Momente, die unverkennbar menschlich sind“, sagt er.

DIE DARSTELLER

BRUCE DERN (Woody Grant)
Die unglaubliche Karriere von BRUCE DERN baut auf der Darstellung moderner Helden ebenso wie legendärer Bösewichter auf.
Über Jahrzehnte hinweg, in denen er mit hochgelobten darstellerischen Leistungen glänzte, hat sich Dern den Ruf eines der talentiertesten und produktivsten Schauspieler seiner Generation erarbeitet. Als gefeierter Theaterdarsteller wurde Bruce Dern von dem berühmten Regisseur Elia Kazan am Actors Studio ausgebildet. Sein Filmdebüt gab er in Kazans WILD RIVER („Wilder Strom“, 1960). In den Sechzigerjahren feierte Dern auch große Erfolge als bedeutender Fernsehschauspieler. Er spielte regelmäßig in zeitgenössischen Western-Fernsehserien mit, aber auch in Alfred Hitchcocks TV-Serien. Hitchcock fand so großen Gefallen an Dern, dass er ihn sowohl in MARNIE („Marnie“, 1964) als auch in FAMILY PLOT („Familiengrab“, 1976) – Hitchcocks letzter Film – besetzte.
Während der Sechzigerjahre arbeitete Dern mit Regisseur Roger Corman und hatte Rollen in mehreren seiner Klassiker und das Jahrzehnt definierenden Filmen wie WILD ANGELS („Die wilden Engel“, 1966). Großes Kritikerlob erhielt er für seine Darstellung in Filmen wie  THEY SHOOT HORSES, DON’T THEY? („Nur Pferden gibt man den Gnadenschuß“, 1969) und DRIVE, HE SAID („Drive, He Said“, 1971). Filmgeschichte schrieb er als Long Hair in THE COWBOYS („Die Cowboys“, 1972), in dem er als erster Schauspieler überhaupt John Wayne töten durfte.
Anschließend spielte Bruce Dern in Klassikern mit wie THE KING OF MARVIN GARDENS („Der König von Marvin Gardens“, 1972) mit Jack Nicholson und Ellen Burstyn und gab den Tom Buchanan in THE GREAT GATSBY („Der große Gatsby“, 1973 – Golden-Globe®-Nominierung für Dern). Seine brillante und kraftvolle Performance in Hal Ashbys COMING HOME („Coming Home – Sie kehren heim“, 1978) brachte ihm Nominierungen bei den Golden Globes® und den Academy Awards.

Mit Charlize Theron spielte er in MONSTER („Monster“, 2003), der von der Kritik als einer der besten unabhängigen Filme aller Zeit gefeiert wurde. Überdies trat er in der HBO-Serie „Big Love“ auf. Unlängst arbeitete Dern mit den kultisch verehrten Regisseuren Francis Ford Coppola für TWIXT („Twixt“, 2011) und Quentin Tarantino für DJANGO UNCHAINED („Django Unchained“, 2012).
In seiner Filmografie finden sich ferner: HUSH HUSH SWEET CHARLOTTE („Wiegenlied für eine Leiche“, 1964) mit Bette Davis, Douglas Trumballs SILENT RUNNING („Lautlos im Weltraum“, 1972), Michael Ritchies SMILE („Lauter nette Mädchen“ 1974), MIDDLE AGE CRAZY (1980) mit Anne Margaret, Jason Millers THAT CHAMPIONSHIP SEASON („Champions“, 1982), TATTOO („Tattoo“, 1980) mit Maude Adams, THE BURBS („Meine teuflischen Nachbarn“, 1989) mit Tom Hanks, THE HAUNTING („Das Geisterschloss“, 1999) mit Catherine Zeta-Jones,  Billy  Bob Thorntons ALL THE PRETTY HORSES („All die schönen Pferde“, 2000), Bob Dylans MASKED AND ANONYMOUS („Masked and Anonymous“, 2003), DOWN IN THE VALLEY („Down in the Valley“, 2005) mit Edward Norton, THE ASTRONAUT FARMER („Astronaut Farmer“, 2007) mit Billy Bob Thornton und THE CAKE EATERS („The Cake Eaters“, 2007) mit Kristin Stewart. Zu seinen anderen bedeutenden Werken zählen AFTER DARK, MY SWEET („After Dark, My Sweet“, 1990), HARRY TRACY („Harry Tracy – Der letzte Desperado“, 1982), ON THE EDGE („On the Edge“, 1985), THE LAUGHING POLICEMAN („Massenmord in San Francisco“, 1973), POSSE („Männer des Gesetzes“, 1975), BLACK SUNDAY („Schwarzer Sonntag“, 1977) des großartigen John Frankenheimer sowie Walter Hills THE DRIVER („Driver“, 1978).

WILL FORTE (David Grant)
WILL FORTE hat sich als einer der wandlungsfähigsten Schauspieler in Film und Fernsehen etabliert. Acht Staffeln lang brachte er das Publikum von „Saturday Night Live“ zum Lachen und ist seit seinem Abschied 2010 extrem beschäftigt mit Kino- und Fernsehprojekten.
Neben NEBRASKA hatte Forte auch unlängst einen Part in RUN AND JUMP („Voll und ganz und mittendrin“, 2013), der dieses Jahr beim Tribeca Film Festival zur Aufführung kam, und stand für die Elmore-Leonard-Verfilmung LIFE OF CRIME (2013) neben Jennifer Aniston, Isla Fisher und Tim Robbins vor der Kamera. Außerdem hatte er eine Rolle in GROWN UPS 2 („Kindsköpfe 2“, 2013) und ist als Sprecher in CLOUDY WITH A CHANCE OF MEATBALLS 2 („Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen 2“, 2013) zu hören.
Vergangenes Jahr kam er mit drei Studiofilmen in die Kinos: THAT’S MY BOY („Der Chaos-Dad“, 2012) mit Adam Sandler und Andy Samberg, ROCK OF AGES („Rock of Ages“, 2012) sowie THE WATCH („The Watch – Nachbarn der 3. Art“, 2012) mit Ben Stiller, Jonah Hill und Vince Vaughn.

Davor spielte er in der für Universal entstandenen Filmadaption von MACGRUBER („MacGruber“, 2010) mit. Er hatte nicht nur die Hauptrolle inne, sondern war auch als Koautor neben Jorma Taccone und John Solomon an dem Projekt beteiligt. Ferner war er mit A GOOD OLD FASHIONED ORGY (2011) neben seinem ehemaligen „SNL“-Kollegen Jason Sudeikis in den Kinos vertreten. Auch TIM AND ERIC’S BILLION DOLLAR MOVIE (2012), BRIEF INTERVIEWS WITH HIDEOUS MEN
(2009), den John Krasinski schrieb und inszenierte, sowie ein Job als Synchronsprecher bei Sonys Erfolgsfilm COULDY WITH A CHANCE OF MEATBALLS („Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen“, 2009) gehören zu seiner Filmografie. Forte schrieb überdies den Film THE BROTHERS SOLOMON („Die Solomon Brüder“, 2007), in dem er an der Seite von Will Arnett und seiner „SNL“-Freundin Kristen Wiig auch mitspielte.
Darüber hinaus ist Will Forte für einige unvergessliche Gastrollen bekannt, unter anderem in den Erfolgsserien „How I Met Your Mother“, „30 Rock“, „Parks and Recreation“, „Up All Night“, „Tim and Eric Awesome Show, Great Job!“ oder „Flight of the Conchords“. Ferner ist er ein häufiger Gast in der Talkshow „Conan“, wo er einen verrückt gewordenen Ted Turner gibt. Als Synchronsprecher war er in einer Handvoll Animationsserien zu hören, unter anderem in „Allen Gregory“, „The Cleveland Show“ von Seth McFarlane oder „Sit Down, Shut Up“ von Mitch Hurwitz und „Clone High“ auf MTV.
Forte kam zu „SNL“ über das in L.A. beheimatete Sketch-Improvisationstheater „The Groundlings“, wo auch andere „SNL“-Kollegen wie Will Ferrell, Phil Hartman und Maya Rudolph ihre Karriere starteten. Auch hinter der Kamera hat er jede Menge Erfahrung gesammelt – zum Beispiel als Produzent der „That 70’s Show“, als Story-Editor für „3rd Rock from the Sun“ und
„Action“ oder als Autor der „Late Show with David Letterman“ und der MTV Movie Awards.

JUNE SQUIBB (Kate Grant)
JUNE SQUIBB spielte in ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2012) Helen, die Frau von Jack Nicholsons Figur, und hatte neben Ray Romano und Gene Hackman einen Part in WELCOME TO MOOSEPORT („Willkommen in Mooseport“, 2004). Weitere Titel ihrer Filmografie sind IN AND OUT („In & Out – Rosa wie die Liebe“, 1997), SCENT OF A WOMAN („Der Duft der Frauen“, 1992) und FAR FROM HEAVEN („Dem Himmel so fern“, 2002). Unabhängig produzierte Projekte in ihrer Filmografie sind ATLAS SHRUGGED, PART I (2011), JUST ADD WATER (2008), THE MAN WHO SHOOK THE HAND OF VICENTE FERNANDEZ (2012) und WOULD YOU RATHER (2012).
Im Fernsehen hatte sie Rollen in „Ghost Whisperer“, „The Young and the Restless“, „Judging Amy“ und „The Bill Engvall Show“. Mit Gastauftritten war sie in „Cold Case“, „Castle“, „The Middle“, „Two and a Half Men“, „Curb Your Enthusiasm“ und „House“ zu sehen.

Am Broadway spielte sie Electra, die elektrisierende Stripperin in „Gypsy“ mit Ethel Merman. Andere  Broadway-Stücke,  in  denen  sie  auftrat,  sind  „Happy  Time“,  „Gorey  Stories“  und
„Sacrilege“. Sie ist eine fleißige Theaterschauspielerin, die über die Jahre unter anderem am Baltimore Center Stage, am Wilma Theatre in Philadelphia, in der Buffalo Studio Arena oder im Dallas Theatre Center Engagements hatte. Am Dalles Theatre Center war sie unlängst in der Rolle der Stella aus Horton Footes „Dividing the Estate“ zu sehen.

BOB ODENKIRK (Ross Grant)
BOB ODENKIRK ist ein amerikanischer Schauspieler, Comedian, Autor, Regisseur und Produzent. Bestens bekannt ist er für seine Auftritte in „Breaking Bad“ und „The Larry Sanders Show“ sowie als Ko-Erfinder und Ko-Star der HBO-Sketch-Comedy-Serie „Mr. Show with Bob and David“.
In  den  Achtziger-  und  Neunzigerjahren  arbeitete  er  als  Autor  solch  rühmlicher  Shows  wie
„Saturday Night Live“, „Get A Life“, „The Ben Stiller Show“ und „The Dennis Miller Show“. Mitte der Neunzigerjahre entwickelten Odenkirk und David Cross das mit einem Emmy ausgezeichnete Sketch-Programm „Mr. Show“, das vier Staffeln lang lief und zu einem kultisch gefeierten Erfolg wurde. Anfang 2000 entdeckte Odenkirk Tim Heidecker und Eric Wareheim  und  produzierte deren Fernsehserien „Tom Goes to the Mayor“ und „Tim and Eric Awesome Show, Great Job!“. Er führte bei drei Filmen Regie: MELVIN GOES TO DINNER (2003), der beim SXSW Film and Music Festival den Publikumspreis gewonnen hat, LET’S GO TO PRISON („Ab in den Knast“, 2006) und THE BROTHERS SOLOMON („Die Solomon Brüder“, 2007).

STACY KEACH (Ed Pegram)
STACY KEACH feierte große Erfolge in den größten Rollen klassischer und moderner Theaterstücke und gilt in Amerika als unübertroffener Shakespeare-Interpret. Seine darstellerische Leistung als King Lear mit der Shakespeare Theatre Company in Washington, D.C. wurde von der Kritik bejubelt. Keach ist stolzer Besitzer dreier Helen Hayes Awards als Bester Schauspieler. Vergangenen Herbst war er an der Seite von Stockard Channing in Jon Robin Baitz’ Stück „Other Desert Cities“ im Booth Theater am New Yorker Broadway zu sehen. Die Kritik überschlug sich abermals mit positiven Besprechungen. Für die Aufführung am Lincoln Center erhielt er eine Nominierung für einen Outer Critics Circle Award. 2011 gewann er einen Audie Award in der  Kategorie Beste originäre Arbeit für den Mike-Hammer-Radioroman „The Little Death“, in dem er seine Rolle als Mike Hammer wieder aufnahm und sogar die Musik  dazu beitrug.

Mitte Oktober erschienen Keachs Memoiren „All in All: An Actor’s Life On and Off the Stage“, in denen sein Leben beschrieben wird, das gekennzeichnet ist durch sein bejubeltes Wirken in Theater, Film, Fernsehen und als Sprecher sowie seine dramatische persönliche Geschichte.
Weltweit ist Keach wohl am besten bekannt für seine Rolle des abgebrühten Detective Mike Hammer. Aber auch seine Performances als Ken Titus in der Sitcom „Titus“, als Warden Henry Pope in der Erfolgsserie „Prison Break“ und als Robert „Pops“ Leary in „Lights Out“ haben sich bei den Fernsehzuschauern für immer und ewig eingeprägt.
Auch bei der Erfolgsshow „Two and a Half Men“ hatte Keach einen Auftritt und 2012 war er in der Comedy-Serie „Bored to Death“ auf HBO zu sehen.
Das Jahr 2012 beinhaltete für den Schauspieler auch wichtige Film- und Fernsehprojekte wie NEBRASKA von Alexander Payne oder eine Sprecherrolle für Disneys Animationsfilm PLANES („Planes“, 2013). Für Robert Rodriguez und Frank Miller übernahm er eine Schlüsselrolle in SIN CITY: A DAME TO KILL FOR („Sin City 2“, 2014). Gastauftritte hatte er in „30 Rock“, „1600 Penn“,
„The  Neighbors“  und  „Anger  Management“.  Ferner  ist  er  weiterhin  Sprecher  bei  der  Serie
„American Greed“, von der mittlerweile die siebte Staffel läuft. Keachs selbst komponierter Song
„Anything for Money“ ist in der Serie zu hören.
Seine professionelle Schauspielerkarriere startete Keach beim New York Shakespeare Festival 1964, und zwar als Doppelbesetzung von Marcellus und des Player King in „Hamlet“, das Joseph Papp mit Julie Harris als Ophelia inszeniert hatte.
Bekannter wurde Keach 1967 mit der politischen Satire „MacBird“, die am Off-Broadway zur Aufführung kam und ihm den ersten von insgesamt drei Obie Awards bescheren sollte.
Er spielte die Titelrollen in „Henry V“, „Hamlet“ (drei Mal), „Coriolanus“, „Richard III“, „Macbeth“ sowie „King Lear“ in der modernen Inszenierung von Robert Falls am Goodman Theatre in Chicago. 2014 wird Keach ans Shakespeare Theater in Washington zurückkehren, und zwar in der Rolle des Falstaff in beiden Teilen von „Henry IV“, die von Michael Kahn inszeniert werden.
Keach studierte mit dem Fulbright-Stipendium an der Londoner Academy of Music and Dramatic Art, er besuchte die University of California in Berkeley sowie die Yale Drama School. Unlängst wurde er Ehrenprofessor an der George Mason University, wo er via Skype unterrichtet.

DER STAB

ALEXANDER PAYNE (Regie)
ALEXANDER PAYNE, Enkel griechischer Immigranten, wuchs in Omaha, Nebraska, auf und wurde von Jesuiten erzogen. Später studierte er zunächst Geschichte und spanische Literaturwissenschaft an der renommierten Stanford University, schwenkte dann aber um und machte seinen Abschluss im Fach Regie an der UCLA.
Seine ersten beiden Kinofilme waren die Komödien CITIZEN RUTH („Baby Business“, 1996) und ELECTION („Election“, 1999). ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2002) feierte 2002 im Wettbewerb des Festival de Cannes Premiere. Sowohl SIDEWAYS („Sideways“, 2004) als auch THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten, 2011) gewannen jeweils einen  Oscar® für das  Beste adaptierte Drehbuch und  wurden jeweils in  vier weiteren Kategorien für einen der begehrten Filmpreise vorgeschlagen, auch in der Kategorie Bester Film und Beste Regie. Vier seiner sechs Filme entstanden in Nebraska.

GEORGE PARRA (Regieassistenz; ausführende Produktion)
GEORGE PARRA ist ein versierter Regieassistent und Produzent und hat an über 50 Filmen mitgearbeitet. Dabei bedient er alle Genres, von großen Actionfilmen wie TERMINATOR 2: JUDGMENT DAY („Terminator 2 – Tag der Abrechnung“, 1991), THE ROCK („The Rock – Fels der Entscheidung“, 1996) oder xXx („xXx – Triple X“, 2002) bis zu Studioklassikern wie GHOST („Ghost – Nachricht von Sam“, 1990), THE MASK OF ZORRO („Die Maske des Zorro“, 1998) oder THE FAST AND FURIOUS („The Fast and the Furious“, 2001). Sein Erfolg stammt jedoch von kleineren, unabhängig produzierten Filmen her, für die sein Herz besonders schlägt, wie ELECTION  („Election“,  1999)  oder  SIDEWAYS  („Sideways“,  2004),  THE  DESCENDANTS  („The
Descendants – Familie und andere Angelegenheiten“, 2011) oder THE SILVER LININGS PLAYBOOK („Silver Linings“, 2012).
Parra arbeitete als Regieassistent und jetzt auch als Produzent für Regisseure wie Alexander Payne, Peter Yates, Oliver Stone, James Cameron, Michael Bay, Rob Cohen, Martin Campbell oder David O. Russell – um nur einige zu nennen.
Nach seinem Abschluss in Film- und Theaterwissenschaft an der San Diego State University startete er seine Karriere bei Regisseuren wie James Cameron und Francis Ford Coppola, für die er bei THE TERMINATOR („Der Terminator“, 1984) und PEGGY SUE GOT MARRIED („Peggy Sue hat geheiratet“, 1986) mitmischte. Kurz darauf wurde er Mitglied der Directors Guild of America und arbeitete sich im Studiosystem nach oben.

Seine Zusammenarbeit mit den Regisseuren weitete sich aus, als er für die Aufgabe des Produzenten angefragt wurde, zunächst bei SIDEWAYS, den sein langjähriger Partner Alexander Payne inszenierte. SIDEWAYS erhielt fünf Oscar®-Nominierungen und gewann schließlich einen, zudem sieben Golden-Globe®-Nominierungen (zwei Gewinne) und 91 weitere Nominierungen weltweit.
Mittlerweile ist Parra auch Mitglied der Producers Guild of America. Er stemmte die Produktion zahlreicher Filme für unterschiedliche Firmen. Nebenbei entwickelt er seine eigenen Projekte.

JULIE M. THOMPSON (ausführende Produktion)
JULIE M. THOMPSON stammt aus Woodstock, Illinois. Die Kleinstadt ist in der Filmwelt bestens bekannt, schließlich besuchte kein Geringerer als Orson Welles die dort beheimatete Todd School for Boys. Dieses Erbe führte Thompson an die Filme von Orson Welles heran und ließ sie ihre Liebe zum Filmemachen entdecken. Woodstock wurde später noch bekannt als Drehort von GROUNDHOG DAY („... und täglich grüßt das Murmeltier“, 1993).
Anfang der Achtzigerjahre produzierte Thompson einige große Anti-Atomkraft-Konzerte im Hollywood Bowl, bei denen Peter, Paul and Mary, Richie Havens, Harry Chapin, Joan Baez, Lily Tomlin, George Carlin, Bonnie Raitt oder The Eagles auftraten.
Gleichzeitig ging Thompson ihrer ersten Liebe nach, dem Filmemachen. Sie produzierte die preisgekrönte Dokumentation „The Willmar 8“. Darin wird die Geschichte einer Gruppe von Frauen in einer Kleinstadt in Minnesota erzählt, die sich gegen ihren Arbeitgeber, die städtische Bank, auflehnten, nachdem sie bei Beförderungen übergangen wurden und stattdessen männliche Trainees vor die Nase gesetzt bekamen, die für höhere Gehälter eingestellt wurden und rasch innerhalb der Bank aufstiegen. Das Projekt wurde von Lee Grant inszeniert und nach einer erfolgreichen Ausstrahlung auf PBS zu einem Fernsehfilm weiterentwickelt. Der Film wird bis heute bei Frauengewerkschaften als Lehrmittel eingesetzt.
Während der späten Achtziger- und frühen Neunzigerjahre war Thompson in den Bereichen Film, Eventproduktion und Mediaberatung tätig und arbeitete für die LA Weekly, für die sie zwei Radioprogramme entwickelte: „Real Politics“ mit Harold Meyerson für KCRW und mit Larry Mantle „Film Talk“, das nach wie vor auf KPCC zu hören ist. „Film Talks“ ist immer noch das umfassendste Programm für Filmbesprechungen in Los Angeles.
Gleichzeitig produzierte sie Filmsammlungen und Kurzfilme für öffentliche Spendenaktionen, darunter Tribut-Filme in Ehrung von unter anderem Alfre Woodard, Haskell Wexler, Oliver Stone, Bernice Regan Johnson und Harry Shearer.
In gleicher Position produzierte sie sechs Jahre lang die Galadiners der Liberty Hill Foundation, die in kleinem Rahmen ihren Beitrag dazu leisteten, sozialen Wechsel und Basisorganisation in Los

Angeles einzuleiten bzw. aufzubauen. Viele Jahre lang war sie Aufsichtsratmitglied von Liberty Hill. Dort traf sie auch Ron Yerxa von Bona Fide Productions.
In den Neunzigerjahren wendete sie sich stärker Fernsehfilmen zu und arbeitete für CBS-TV, für Dan Wigutow Productions, entweder als Koproduzentin (Miniserie „Guilty Hearts“), assoziierte Produzentin („Raising Waylon“, „Color of Love“, „Dr. Quinn Medicine Woman“) oder Postproduktions-Supervisor („Monday After the Miracle“, „Before She Wakes“, „Stolen Women“, „Murder At 75 Birch“).
Während ihrer Zeit bei CBS arbeitete sie auch mit Tom Selleck und dessen Firma an einer Fernsehserie, die sie entwickelt hatte.
Thompson produzierte ferner mit einem Minibudget den unabhängigen Film THE NORTHERN KINGDOM (2009) von Dorothy Lyman, der in Andes im Bundesstaat New York gedreht wurde.
2002 war sie die Serien-Produzentin von „Eyes of Nye“ für PBS, die bei KCTS-TV in Seattle entstand. Bei KCTS lernte sie Autor Bob Nelson kennen, einen Sketch-Künstler, der bereits bestens für seine wöchentliche Comedy-Show „Almost Live“ bekannt war. Nelson hatte gerade sein erstes Drehbuch, NEBRASKA, geschrieben und gab es Thompson zum Lesen. Er wollte ihren Ratschlag, ob es für eine Präsentation in Hollywood bereit wäre. Mit nur kleinen Verbesserungsvorschlägen fand sie es perfekt. Sie verliebte sich in das Drehbuch und gab es Ron Yerxa und Albert Berger, die Alexander Payne als Regisseur im Kopf hatten. Payne band sich unmittelbar danach an das Projekt, das dann aber bis 2012 warten musste, bis es Früchte trug.
NEBRASKA ging im Herbst 2012 in Dreh. Auf dem Festival de Cannes wurde er bereits gefeiert, und Bruce Dern holte sich den Preis als Bester Schauspieler.
Wann immer ihr es möglich ist, setzt Thompson ihre Erfahrung als Filmemacherin ein, um Basisorganisationen bei der Verbreitung ihrer sozialen Anliegen zu helfen. Sie ist ehemalige Präsidentin der Coalition to Abolish Slavery & Trafficking in Los Angeles.

ALBERT BERGER (Produktion)
ALBERT BERGER gründete 1993 gemeinsam mit Ron Yerxa das Produktionsunternehmen Bona Fide.
Zu ihren Produktionen zählen Steven Soderberghs KING OF THE HILL („König der Murmelspieler“, 1993), Alexander Paynes ELECTION („Election“, 1999), Anthony Minghellas COLD MOUNTAIN („Unterwegs nach Cold Mountain“, 2003), Jonathan Daytons und Valerie Faris’ LITTLE MISS SUNSHINE („Little Miss Sunshine“, 2006) sowie Todd Fields LITTLE CHILDREN („Little Children“, 2006).

Als ausführende Produzenten war das Duo beteiligt an der Dokumentation I AM TRYING TO BREAK YOUR HEART (2002), HAMLET 2 („Hamlet 2“, 2008) und der Dokumentation AIN’T IN IT FOR MY HEALTH (2010).
Mit NEBRASKA war Bona Fide im Wettbewerb von Cannes vertreten, wo Bruce Dern den Preis als Bester Schauspieler mit nach Hause nehmen durfte. Unlängst stellten sie LOW DOWN (2014) mit John Hawkes, Elle Fanning und Glenn Close fertig sowie THE NECESSARY DEATH OF CHARLIE COUNTRYMAN (2013) mit Shia LaBeouf, Evan Rachel Wood und Melissa Leo. Gedreht wird derzeit der HBO-Pilotfilm „The Leftovers“ nach einem Drehbuch von Tom Perrotta und Damon Lindelof. Peter Berg ist mit der Regie betraut. Zu ihrem kommenden Line-up gehört Joachim Triers US- Debüt LOUDER THAN BOMBS.
Nach seinem Studienabschluss an der Tufts University kehrte Albert Berger in seine Geburtsstadt Chicago zurück, wo er sich als Besitzer und Manager des Sandburg Theatre niederließ – einem Kino für obskure Filmwerke und Klassiker. Vor seinem Umzug nach Los Angeles studierte er noch eine Weile an der Filmschule der Columbia University. In L.A. fing er an, Drehbücher für Paramount, TriStar, MGM, Orion und Produzent Roger Corman zu schreiben. Später arbeitete er als Vizepräsident der Entwicklungsabteilung bei Marvin Worth Productions, wo er Projekte wie MALCOLM X („Malcolm X“, 1992) begleitete.

RON YERXA (Produktion)
RON YERXA gründete 1993 gemeinsam mit Albert Berger das Produktionshaus Bona Fide Productions. Zu ihren Produktionen zählen Steven Soderberghs KING OF THE HILL („König der Murmelspieler“, 1993), Alexander Paynes ELECTION („Election“, 1999), Anthony Minghellas COLD MOUNTAIN („Unterwegs nach Cold Mountain“, 2003), Jonathan Daytons und Valerie Faris’ LITTLE MISS SUNSHINE („Little Miss Sunshine“, 2006) sowie Todd Fields LITTLE CHILDREN („Little Children“, 2006).
Als ausführende Produzenten war das Duo beteiligt an der Dokumentation I AM TRYING TO BREAK YOUR HEART (2002), HAMLET 2 („Hamlet 2“, 2008) und der Dokumentation AIN’T IN IT FOR MY HEALTH (2010).
Mit NEBRASKA war Bona Fide im Wettbewerb von Cannes vertreten, wo Bruce Dern den Preis als Bester Schauspieler mit nach Hause nehmen durfte. Unlängst stellten sie LOW DOWN (2014) mit John Hawkes, Elle Fanning und Glenn Close fertig sowie THE NECESSARY DEATH OF CHARLIE COUNTRYMAN (2013) mit Shia LaBeouf, Evan Rachel Wood und Melissa Leo. Gedreht wird derzeit der HBO-Pilotfilm „The Leftovers“ nach einem Drehbuch von Tom Perrotta und Damon Lindelof. Peter Berg ist mit der Regie betraut. Zu ihrem kommenden Line-up gehört Joachim Triers US- Debüt LOUDER THAN BOMBS.

BOB NELSON (Drehbuch)
BOB NELSON hat als Drehbuchautor Projekte bei Paramount, Warner Bros., Pixar und Universal in Entwicklung. Neben seinem Originaldrehbuch NEBRASKA hat Nelson bei Paramount noch die Adaption des französischen Films CONFIDENCES TROP INTIMES („Intime Fremde“, 2004) in der Mache.
David Heyman, Produzent der Harry-Potter-Filme, entwickelte Nelsons Drehbuch BILL FROM MY FATHER bei Warner Bros. YOUNG AT HEART, das von der gleichnamigen Dokumentation inspiriert wurde, schrieb er für Universal und Working Title. Gemeinsam mit Chris Rock arbeitete Bob Nelson an der Adaption des französischen Films LA PREMIERE ETOILE („Triff die Elisabeths!“, 2009). Zudem verbrachte er sechs Monate bei Pixar Animation Studios als Hausautor.
Überdies plant Nelson, THE TRIBE, seinen zweiten Film nach einer Originalidee, zu inszenieren. Joel McHale, Star von „Community“ (NBC) und „The Soup“ (E Entertainment), ist bereits an Bord, ebenso die Produktionsfirma Mr. Mudd (JUNO („Juno“, 2007)).
Vor seiner Karriere als Drehbuchautor arbeitete Nelson als Journalist, Radioproduzent und Schreiber für den Comedy Central, Fox Television, VH-1 sowie „Bill Nye the Science Guy“. Überdies trat er in der originalen „Bill Nye“-Serie auf und war Autor und Schauspieler bei „Eyes of Nye“.
Nelson war Mitglied des Schauspielerensembles, Autor, Regisseur und Produzent der ikonischen Sketch-Show „Almost Live!“ aus Seattle, bei der auch Bill Nye the Science Guy und Joel McHale ihre Karriere starteten. Das Programm zählte mehrere Jahre lang zu den besten Lokalprogrammen Amerikas und gewann über 100 Emmys. Nelson erhielt allein als Autor fünf Emmys, und auch seine Künste als Schauspieler wurden mit einem belohnt. Neben der zweijährigen Ausstrahlung von „Almost Live!“ auf dem Kanal Comedy Central wurde die Show auch zweimal landesweit ausgestrahlt.

JOHN JACKSON (Casting)
JOHN JACKSON startete seine Karriere als Schauspieler in Los Angeles. Dort studierte er unter solch legendären Schauspiellehrern wie Stella Adler oder Jose Quintero und besuchte darüber hinaus das American Conservatory Theatre in San Francisco. Unter dem Künstlernamen John Durbin trat er in über 100 Filmen, Fernsehprojekten, Serien und Theaterstücken auf.
Als er 1988 in den Mittleren Westen zurückkehrte, traf er auf Alexander Payne. Die beiden haben bei fünf Projekten zusammengearbeitet: SIDEWAYS („Sideways“, 2004), ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2002), ELECTION („Election“, 1999), CITIZEN RUTH („Baby Business“, 1996) und THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten“, 2011).
Im gleichen Maße, wie sein Interesse an der Schauspielkunst abnahm, wuchs es für den Casting- Bereich. John Jackson hatte das große Glück, auch für andere anerkannte Regisseure Filme zu

besetzen, zum Beispiel für den Koreaner Joon-Ho Bong (THE HOST (2006)), für die Französin Jennifer Devoldère (JUSQUE’À TOI (2009)) oder für Daniel Myrick (THE BLAIR WITCH PROJECT („Blair Witch Project“, 1999)).
Seine freie Zeit verbringt Jackson, der zwischen L.A. und seiner Heimat Iowa pendelt, mit der Brigit St. Brigit Theatre Company in Omaha, Nebraska, für die er als Schauspieler und Regisseur tätig ist. Die Truppe präsentiert ein volles Programm an Klassikern von Shakespeare bis Neil Simon. Dieses Jahr geht sie in ihre 19. Saison.

DENNIS WASHINGTON (Szenenbild)
DENNIS WASHINGTON sammelte Erfahrungen in Architekturdesign und beim Theater. Er stammt aus Santa Monica und wuchs ganz in der Nähe der großen Hollywood-Studios auf. Er erschuf Szenenbilder für Filme mit der Absicht, Realität einließen zu lassen sowie ein visuelles Stimmung, das das Filmerlebnis unterstützen und erweitern sollte. Washington bereiste die Welt nicht nur aufgrund seiner Arbeit, sondern auch wegen seiner eigenen Leidenschaften. Er arbeitete mit Regisseuren wie John Huston, Sydney Pollack, Ron Shelton, Rob Reiner oder Alexander Payne und erschuf Szenenbilder für Filme von PRIZZI’S HONOR („Die Ehre der Prizzis“, 1985) bis STAND BY ME („Stand by Me – Das Geheimnis eines Sommers“, 1986), THE DEAD („Die Toten“, 1987), NO WAY OUT („No Way Out – Es gibt kein Zurück“, 1987), THE FUGITIVE („Auf der Flucht“, 1993), DANTE’S PEAK („Dante’s Peak“, 1997), THE GENERAL’S DAUGHTER („Wehrlos – Die Tochter des Generals“, 1999), THIRTEEN DAYS („Thirteen Days“, 2000), NEBRASKA und weitere.
Dennis Washington lebt in  Los Angeles und Budapest und folgt weiterhin seiner Liebe: dem Filmdesign.

PHEDON PAPAMICHAEL (Kamera)
PHEDON PAPAMICHAEL ist ein preisgekrönter Regisseur und Kameramann. Der gebürtige Grieche aus Athen zog mit seiner Familie erst nach Deutschland, wo er 1982 sein Kunststudium in München beendete. Ein Job als Fotojournalist verschlug ihn 1983 nach New York City, wo er später als Kameramann zu arbeiten anfing.
Sein erster Spielfilm, die Schwarz-Weiß-Produktion SPUD brachte ihm den Preis für die Beste Kamera beim Cork Film Festival in Irland ein. John Cassavetes, sein Cousin und späterer Mitarbeiter, holte ihn schließlich nach Los Angeles. Neben weiterführenden Arbeiten mit Kurz- und Experimentalfilmen baute er parallel seine Karriere als Kameramann von Kinofilmen auf, zunächst für Roger Corman, für den er sieben Filme innerhalb von zwei Jahren filmte.
Papamichaels Filmografie als Kameramann weist mittlerweile 44 Filme auf, darunter der Blockbuster AMERICA’S SWEETHEARTS („America’s Sweethearts“, 2001) mit Julia Roberts und

Catherine Zeta-Jones, MOUSE HUNT („Mäusejagd“, 1997), PATCH ADAMS („Patch Adams“, 1998) mit Robin Williams und PHENOMENON („Phenomenon – Das Unmögliche wird wahr“, 1996) mit John Travolta von Jon Turteltaub, für den er außerdem die Bilder von WHILE YOU WERE SLEEPING („Während du schliefst“, 1995) und COOL RUNNINGS („Cool Runnings – Dabei sein ist alles“, 1993) einfing.
In seinem Oeuvre finden sich auch viele von der Filmkritik gefeierte Titel wie UNSTRUNG HEROES („Entfesselte Helden“, 1995 – Un Certain Regard, Cannes 1995) von Diane Keaton, UNHOOK THE STARS („Ein Licht in meinem Herzen“, 1996) mit Gena Rowlands von Nick Cassavetes sowie THE LOCUSTS („Kansas Night“, 1997 – Mezzogiorno, Venedig 1997).
THE MILLION DOLLAR HOTEL („The Million Dollar Hotel“, 2000) von Wim Wenders mit  Mel Gibson eröffnete im Jahr 2000 die Berlinale und gewann dort den Großen Preis der Jury sowie den Silbernen Bären und die Goldene Kamera. Die europäische Koproduktion 27 MISSING KISSES („27 Missing Kisses“, 2000) der Oscar®-nominierten Filmemacherin Nana Djordjadze feierte in der Directors Fortnight in Cannes im Jahr 2000 Premiere. Der Film gewann im selben Jahr den Grand Prix beim New York/Avignon Film Festival, den Publikumspreis beim Montpellier Film Festival sowie den Kodak Vision Award für die Beste Kamera. Im selben Jahr erhielten beide Filme eine Nominierung bei den Camerimage für die Beste Kamera.
2001 war Papamichael Kameramann bei MOONLIGHT MILE („Moonlight Mile – Eine Familiengeschichte“, 2002 – Berlinale 2003) von Brad Silberling mit den Oscar®-Preisträgern Dustin Hoffman, Susan Sarandon und Holly Hunter. Im Anschluss daran folgten IDENTITY („Identität – Identity“, 2003) von James Mangold sowie SIDEWAYS („Sideways“, 2004 – Oscar®- Gewinner in der Kategorie Bestes Drehbuch, Oscar®-Nominierung als Bester Film) von Alexander Payne.
In seiner Karriere folgten dann die zweite Zusammenarbeit mit Gore Verbinski, THE WEATHER MAN („The Weather Man“, 2005) mit Nicolas Cage und Michael Caine, sowie WALK THE LINE („Walk the Line“, 2005 – Golden Globe® als Bester Film), erneut von James Mangold mit Joaquin Phoenix, der als Bester Schauspieler für einen Academy Award vorgeschlagen wurde, und Reese Witherspoon, deren darstellerische Leistung mit eben dieser hohen Auszeichnung geehrt wurde. Der Film gewann überdies den Golden Frog bei Camerimage (President’s Award, 2005) für die Beste Kamera.
Zu seinen jüngeren Arbeiten zählen der von der Kritik gelobte Western 3:10 TO YUMA („Todeszug nach Yuma“, 2007) mit Russell Crowe und Christian Bale, 10 ITEMS OR LESS (2006) von Brad Silberling mit Morgan Freeman sowie der Blockbuster PURSUIT OF HAPPYNESS („Das Streben nach Glück“, 2006), der Will Smith eine Oscar®-Nominierung einbrachte. 2008 stellte er Oliver Stones W. („W.“, 2008) fertig.

2010 arbeitete er erneut mit seinen langjährigen Partnern James Mangold für KNIGHT & DAY („Knight and Day“, 2010) und Alexander Payne für THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten“, 2011 – Oscar®-Gewinner für das Beste Drehbuch; Oscar®- Nominierung als Bester Film; Golden Globe® als Bester Film) mit George Clooney. Mit Clooney arbeitete er anschließend bei dessen THE IDES OF MARCH („The Ides of March – Tage des Verrats“, 2011 – Golden-Globe®-Nominierung als Bester Film) zusammen. Für Judd Apatow fing er unlängst die Bilder für THIS IS 40 („Immer Ärger mit 40“, 2012) ein.

JOHN LATENSER V (Location-Manager)
JOHN LATENSER V ist ein bewährter Location-Manager, der im Lauf seiner Karriere an preisgekrönten Kinofilmen, Fernsehserien und Dokumentationen mitarbeitete. Mit Alexander Payne verbindet ihn eine langjährige Kooperation: Bei fünf seiner Filme war Latenser als Location- Manager eingespannt. Den Anfang machte CITIZEN RUTH („Baby Business“, 1996), gefolgt von ELECTION    („Election“,    1999),    ABOUT    SCHMIDT    („About    Schmidt“,    2002),    SIDEWAYS
(„Sideways“, 2004) und schließlich NEBRASKA. Wie einige andere, die bei Paynes jüngster Regiearbeit dabei waren, stammt auch Latenser gebürtig aus dem namensgebenden US- Bundesstaat Nebraska.
Latenser ist Mitglied der amerikanischen Gilde der Location-Manager (LMGA) und arbeitet als leidenschaftlicher Location-Manager in ganz Amerika, am liebsten mit Regisseuren, die ihren Film komplett on location ohne Studiodrehtage inszenieren, wie im Falle von NEBRASKA oder Jason Reitmans LABOR DAY („Labor Day“, 2013).
Neben NEBRASKA fungierte Latenser auch bei einigen anderen Paramount-Produktionen als Location-Manager, unter anderem bei TRANSFORMERS („Transformers“, 2007) und TRANSFORMERS: DARK OF THE MOON („Transformers 3“, 2011), UP IN THE AIR („Up in the Air“, 2009), FUN SIZE („Fun Size“, 2012) und LABOR DAY.

KEVIN TENT (Schnitt)
KEVIN TENT arbeitet seit über 15 Jahren mit Alexander Payne zusammen. Ihre erste gemeinsame Arbeit war CITIZEN RUTH („Baby Business“, 1996) mit Laura Dern. Im Anschluss daran folgten ELECTION („Election“, 1999), für den Tent seine erste Eddie-Nominierung der amerikanischen Cutter-Vereinigung A.C.E. erhielt, ABOUT SCHMIDT („About Schmidt“, 2002), der ihm die Ehre einer zweiten Eddie-Nominierung einbrachte, sowie SIDEWAYS („Sideways“, 2004), für den er die dritte Nominierung der Cutter-Gilde erhielt. Für THE DESCENDANTS („The Descendants – Familie und  andere  Angelegenheiten“,  2011)  würdigte  ihn  die  Academy  schließlich  mit  einer  Oscar®-

Nominierung, und die A.C.E verlieh ihm endlich den Eddie für den Besten Schnitt eines Langspielfilms.
Tent startete seine Karriere bei Roger Cormans New Horizons Studio in Venice, Kalifornien. Dort war er als Cutter an zahlreichen Kultklassikern wie NOT OF THIS EARTH („Vampire aus dem All“, 1988) und HOLLYWOOD BLVD. II („Hollywood Boulevard II“, 1990) beteiligt.
Zu seinen ersten Arbeiten zählen HOMAGE (1995), der 1996 in Sundance seine Premiere feierte, GUNCRAZY („Guncrazy – Junge Killer“, 1992), der unabhängig produzierte Untergrund-Erfolg von Tamara Davis, sowie SINCE YOU’VE BEEN GONE („Dümmer geht’s immer“, 1998) von David Schwimmer. Zu den weiteren Filmen, die er als Cutter begleitet hat, gehören Pieter Jan Brugges Psychothriller THE CLEARING („Anatomie einer Entführung“, 2004) mit Robert Redford, Helen Mirren und Willem Dafoe, Ted Demmes Drogenfilm BLOW („Blow“, 2001) mit Johnny Depp und Penelope Cruz sowie James Mangolds GIRL, INTERRUPTED („Durchgeknallt“, 1999) mit Winona Ryder und Angelina Jolie. Eine längere Kooperation verbindet ihn mit Barry Sonnenfeld.
Als zusätzlicher Cutter war er bei zahlreichen Filmen eingesetzt, unter anderem bei VALENTINE’S DAY („Valentinstag“, 2010) von Gary Marshall, THE GOLDEN COMPASS („Der goldene Kompass“, 2007), FACTORY GIRL („Factory Girl“, 2006) mit Sienna Miller und Guy Pearce sowie MONSTER IN LAW („Das Schwiegermonster“, 2005) mit Jane Fonda und Jennifer Lopez.
Zu seinen jüngsten Arbeiten zählt der vielschichtige Thriller DISCONNECT (2012) von Henry Alex Rubin mit Jason Bateman, Frank Grillo und Alexander Skarsgård.